Tin Whistle, Teaching Tin Whistle, CC Music, Fine Arts, CC Cycle 3, Music Theory

Major Music History Periods and Representative Composers: Medieval Period: ~500 – 1400 AD (Hildegard von Bingen, Guillaume de Machaut) Renaissance Period: ~1400 – 1600 AD (Giovanni Pierluigi da Palestrina, Thomas Tallis, William Byrd) Baroque Period: ~1600 – 1750 AD (Johann Sebastian Bach, George Frederick Handel) Classical Period: ~1750 – 1825 AD (W.A. Mozart, Franz Joseph Haydn) Romantic Period: ~1825 – 1900 AD (Ludwig van Beethoven, Franz Schubert) Modern/20th Century Period: ~1900 – Present (Igor Stravinsky, Aaron Copeland, Phillip Glass) When we talk about Early Music, the date range can be pretty large depending on who you ask. Some define it as all music from the “earliest times” up to the Baroque Era, some narrow the time frame to the Middle Ages through the Baroque, and some add some or all of the Classical period to the mix. For our purposes and study here, we’ll keep it within the Medieval, Renaissance, and Baroque periods (about 500 – 1750 AD). The Renaissance era saw new developments like larger ranges for voices and instruments, more music specifically for instruments, and increased music printing. The Reformation (particularly Martin Luther and the Lutheran church services) brought about new musical forms like the chorale, while the Catholic Mass became somewhat shorter and more streamlined with the Counter-Reformation. Dance music continued to be very popular with instruments. As instrumental music flourished, more and more instruments came into use – flutes and recorders, cornets and trombones, tambourines and drums, strings, lutes and guitars. Instrument families (violin, viola, cello) were developed as well. In vocal music, the motets from the Medieval era transitioned to Renaissance motets with a slightly different writing style: Renaissance madrigals came about in Italy and England, usually based on a poem and written in overlapping sections, each based on a single text line:

As a part of Classical Conversations, we study great composers and orchestral music for 6 weeks. As a classical music junkie, this is one of my favorite parts of the program. I think an appreciatio…

Latin music superstar J Balvin crafts a pair of eminently quiet, contemplative refuges in his native Colombia with the help of Medellín based design firm 5 Sólidos

What is Creative Commons? - As soon as you type on your blog, put your pen to paper or start a brush stroke your work is automatically copyrighted.

A Music Fortune Teller is a great way to review musical concepts learned. If you have forgotten how to play, here is a link that describes in detail how ..

Aside from an appreciation for music, I have no other knowledge of it or possess any talent myself. My son's music teacher’s “tee tee ta...

Hoy y mañana se escuchará en Sevilla, a cargo de la Orquesta de Extremadura, la admirable Primera Sinfonía de Shostakovich. Por eso traigo ahora las notas que sobre la misma escribí para un concierto ofrecido por la Filarmónica de Gran Canaria el 16 de octubre de 2009. He modificado sustancialmente las primeras líneas, que enlazaban el texto sobre esta partitura con el resto de las notas al programa. _________________________________ Dimitri Shostakovich hizo gala de una asombrosa precocidad en su madurez artística: tan solo contaba diecisiete años cuando en 1923 comenzó a gestar su Sinfonía nº 1 en fa menos, op. 10. La partitura, en principio un mero trabajo escolar escrito con motivo de su graduación en el conservatorio de su ciudad natal, fue finalizada el 1 de julio de 1925 y estrenada el 12 de mayo del año siguiente por la propia Filarmónica de Leningrado bajo la dirección de Nikolai Malko, todo un lujo -costeado por la propia institución- para un joven que aún no era nadie en el mundo de la música. La obra, que triunfó de manera apoteósica en su estreno soviético y, un poco más tarde, en su ejecución por la Filarmónica de Berlín de la mano de Bruno Walter, ya resulta admirable no sólo por el pleno dominio de los recursos por parte de un adolescente, sino también por la redondez del resultado: de las otras catorce sinfonías que gestaría a lo largo de su dilatada carrera, muy pocas (Cuarta, Octava, Decimoquinta, por delante de las celebérrimas Quinta y Séptima) parecen abiertamente superiores a esta sensacional partitura. Pero es que además, pese a las más que comprensibles influencias que se van a detectar, en esta Primera Sinfonía Shostakovich nos ofrece ya una personalidad definida, siendo reconocible la mayor parte de los rasgos que van a identificar su labor creativa. Lo comprobamos ya en el burlón arranque del primero de los cuatro movimientos, que a pesar de su clásica estructura en forma sonata ofrece una discontinuidad y un deslavazamiento que, como ha señalado Leonard Bernstein (uno de los mejores traductores de la partitura y uno de sus más certeros estudiosos: las explicaciones que acompañan su filmación editada en DVD son fascinantes), ponen de manifiesto la rebeldía de un “niño malo” que intenta burlarse de la tradición y jugar con el oyente sorprendiéndole con desarrollos inesperados, defraudando sus expectativas y ofreciendo caricaturas donde se podría esperar -y más en una obra de graduación- un intento de desplegar brillantez sonora y profundidad dramática. Si la burla y el sarcasmo -más y más agrios conforme pasan los años- se van a convertir en auténtica marca de la casa, también lo son los aires cinematográficos y vodevilescos, incluso circenses, bien presentes en el tema marcial de este primer movimiento y en el vals (segundo tema de la forma sonata) que le sigue. Ambos parecen beber de las improvisaciones que el autor llevaba realizando desde 1924 frente a la gran pantalla, sin que podamos olvidar la más que obvia referencia al ballet Petrushka que Stravinsky había estrenado en 1911, tanto en lo que a la parquedad de su instrumentación se refiere -apenas hay tutti orquestales- y a su tímbrica descarnada, incisiva, como a los -más inquietantes que desenfadados- aires de teatro de marionetas: el recurso a lo guiñolesco como metáfora del ser humano va a ser otra constante en la obra de Shostakovich, desde aquí hasta el primer movimiento de su nihilista Decimoquinta sinfonía. A la influencia de Stravinsky se suma la de Sergei Prokofiev en el breve segundo movimiento, un Allegro que funciona a la manera de scherzo en el que de entrada sorprende el falso arranque a cargo de de violonchelos y contrabajos (la misma melodía pero con notas de diferente duración: nuestro gamberro autor pretende crear la impresión de que no saben tocar juntos). Tras esta broma se van a ir alternando un tema vivaz, humorístico, que ofrece la aparición -casi concertante, a la manera de la citada Petrushka- de un piano, y un tema lento (Meno mosso) más bien sombrío e inquietante, punteado por el triángulo y por los redobles de la caja. La crispación con la que terminan mezclándose los dos temas anuncia el giro que va a realizar la obra tras este movimiento, cerrado brutalmente por los golpes percutivos del piano: la sátira juvenil se va a transformar en un hondo patetismo de amplio aliento romántico. Efectivamente, un desolado solo de oboe abre el Lento, que nos adentra en un mundo de tristeza infinita que se hace aún más sobrecogedora cuando las trompetas nos conducen hasta un ominoso Largo cuya atmósfera enrarecida, patética y no poco nihilista, nos hace descubrir el más claro antecedente de la espectral Passacaglia de la Octava Sinfonía, si bien aquí el tema no permanece en pianísimo sino que por momentos se transforma en una áspera, tensa y rebelde marcha fúnebre, otra de las fórmulas que se va a convertir en identificativas del compositor (fundamental en la sinfonías Cuarta, Undécima y Decimoquinta, por ejemplo). Sea como fuere, el buen melómano podrá percibir que dicha fórmula nos habla, en esta obra temprana, de la gran influencia que planea sobre todo este movimiento: la de Gustav Mahler, claro está, a la que hay que añadir la de un Richard Wagner -hay citas más o menos directas del Anillo y de Tristán- , compositor que llegó a Shostakovich filtrado a través del autor de La Canción de la Tierra. Un largo redoble de caja nos hace pasar sin cesura alguna al último movimiento, que enlaza con el anterior no sólo en su material temático, sino también en el marcado carácter trágico que lo impregna. En él la atmósfera se va enrareciendo poco a poco hasta que la tragedia que se ha venido mascando desemboca en un pasaje lleno de crispación y visceralidad, con chirriantes figuraciones en la cuerda y la significativa recuperación de un piano percutivo. Tras el estallido de toda la tensión acumulada se produce una dramática e inesperada ruptura del discurso musical a cargo de un solemne solo de timbal que retoma, invertido, un motivo rítmico del anterior movimiento. Un doliente solo de violonchelo conduce a un apasionadísimo pasaje digamos “romántico” (según Bernstein nueva cita del Anillo, más concretamente del despertar de Brunilda) tras el que parece salir la luz, brillando la orquesta, por primera vez en la partitura, con el más resplandeciente fulgor sinfónico. No nos engañemos: se trata de un falso final feliz, el primero de los muchos que se podrán encontrar en la obra del compositor, en el que una forzada explosión triunfalista -en la coda hay más frenesí que carácter afirmativo- intenta ahogar el lamento y congoja.

More emotional, more profound, and more thought-provoking - 20 more of the best quotes from the world's greatest composers

5th grade graduation requirement: butchering "Hot Cross Buns" on a recorder.

Sheet music for 10 Christmas carols with fingering charts for tin whistle. Videos available on Tradschool's website.

Welcome to 31 Days of Homemade Music! This month we are exploring how and why everyone can benefit from being an active participant in music making. To read more posts in this series, click here. Today, we will be having a listen to Benjamin Britten’s Young Person’s Guide to the Orchestra, written in 1946. The […]

Here's another FREE Boomwhacker Chart for my visitors. This is a downloadable/printable JPEG file, or you can download a free (higher resolution) PDF from: http://www.teacherspayteachers.com/Product/Color-coded-C-Pentatonic-Scale-Poster-or-Resource-Page-for-Bells-or-Boomwhackers If you use Boomwhackers with your students or family, I invite you to check out some of my Color-Chord-inated Song Collections. Teachers tell me these materials save them a lot of time (and knowing how much time I put into them, I must agree!). They are great for end-of-school-year activities, summer programs, and easy-to-put-together performances. I am delighted to know that students and teachers are having great success with these materials!   http://www.teacherspayteachers.com/Product/The-HOEDOWN-COLLECTION-of-Color-Chord-inated-Songs-for-Bells-or-Boomwhackers  http://www.teacherspayteachers.com/Product/The-PATRIOTIC-COLLECTION-of-Color-Chord-inated-Songs-for-Bells-or-Boomwhackers   http://www.teacherspayteachers.com/Product/50-Partner-Tunes-to-Sing-Bing-Boom