Jylian Gustlin es una artista californiana que nació y creció en el área de la bahía de San Francisco que ha sido moldeada por la explosión tecnológica de Silicon Valley y su arte refleja su profundo conocimiento de esa tecnología. Sabía que si terminaba su carrera nunca haría arte. Es la manera en que Jylian Gustlin explica el motivo por el que abandonó la universidad un semestre antes de licenciarse en informática y matemáticas para asistir a la Academy of Art College, San Francisco. Después de completar su BFA, Jylian fusionó su comprensión de las computadoras y su pasión por el arte para convertirse en programadora de gráficos para Apple Computer, Inc. Ahora, Jylian combina de forma única los efectos de la tecnología moderna con las técnicas tradicionales. Mientras pinta con pinturas acrílicas y al óleo, su obra de arte a menudo transmite los mismos efectos estratificados complejos posibles en programas de computadora como Adobe Photoshop e Illustrator. Justo cuando desafió las limitaciones creativas del último software de computadora, Gustlin experimenta con una variedad de materiales para descubrir sus efectos. Trabajando con resina epóxica de dos partes, pinturas al óleo y acrílicas, carbón, cera, pan de oro, pastel y grafito, Gustlin dibuja, pinta, raspa en sus superficies. Las figuras siempre han sido una parte importante del repertorio de Gustlins. Sus personajes a menudo se encuentran en un paisaje alienígena, melancólico y meditabundo, pero al mismo tiempo, representando una sensación de futuro. Jylian ha sido influenciada por un amor de toda la vida de los artistas figurativos del Área de la Bahía. Durante los últimos dos años, Jylian ha estado trabajando en una serie de pinturas, tanto abstractas como representacionales, que se basan en las teorías matemáticas de Fibonacci. La teoría matemática de Fibonacci se basa en los números 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, y así sucesivamente. Los cálculos matemáticos de Fibonacci crean rectángulos y espirales de concha en función de los números que aumentan progresivamente. También está explorando la relación de los números de Fibonacci con los pétalos de las flores y cómo utilizar estas ideas en pinturas, así como la relación de Fibonacci con las escalas musicales y cómo la escala de 5 tonos, la escala de 8 tonos y la escala de 13 tonos . Ella continúa explorando la ciencia y las matemáticas y cómo se cruza con las artes. EDUCACIÓN Academia de Arte de la Universidad, San Francisco, CA Licenciado en Bellas Artes, concentración: Diseño y Bellas Artes Universidad Estatal de San Jose Programa de informática EXPOSICIONES Y COLECCIONES Wish, HANG Art Gallery, San Francisco, CA, diciembre de 2007 Jylian, Red Sky Gallery, Charlotte, Carolina del Norte, octubre de 2006 Kyros, HANG, San Francisco, CA, octubre de 2005 AAF Contemporary Art Fair, Nueva York, NY, octubre de 2005 Jylian, Red Sky Gallery, Charlotte, NC, junio de 2005 Hablando en sentido figurado, HANG, San Francisco, CA, abril de 2005 Quidam, HANG, San Francisco, CA, agosto de 2004 Art Auction 2004, Museo de Arte Moderno de San Francisco, San Francisco, CA, mayo de 2004 Corazón de San Francisco (artista patrocinado por Adobe) Ubicaciones en todo San Francisco, CA, junio de noviembre de 2004 Recuerdos, reconstrucción de Bygones, HANG, San Francisco, CA Febrero de 2004 Subasta de beneficios de College Track, Palo Alto, CA, octubre de 2003 Gustlin y Fain: Todo sobre Eve, HANG, Palo Alto, California, junio de 2003 Colección MC2, San Francisco, CA, 2003 Found / Unbound, HANG, Palo Alto, CA, febrero de 2003 Colección Francisco Partners, San Francisco, CA 2001 - 2004 Seeing Red: Color Beyond the Pale, HANG, Palo Alto, California, diciembre de 2002 Sunset Idea Idea House, Palo Alto, CA 2002 Colores de White HANG, San Francisco, CA 2002 Fresh Produce, HANG, San Francisco, julio de 2002 Gustlin y McCuthcheon: En el anexo de Surface HANG, San Francisco, CA, mayo de 2002 Big Deal Visual Aid, San Francisco, CA anualmente 1992 2003 Artista destacado, diciembre HANG, Palo Alto, CA 2001 Exposición colectiva Adobe Corporation Gallery, San José, CA 1997 Exposición colectiva Apple Showroom, Campbell, CA 1995 Small Works Pope Gallery, Santa Cruz, CA 1994 Fuentes: https://www.jyliangustlin.com/ https://www.facebook.com/jyliangustlinartwork/ http://www.brettwesleygallery.com/jylian-gustlin http://www.canfingallery.com/artist/jylian-gustlin/ https://www.artistaday.com/?p=3380 https://www.gallerymar.com/2015/10/in-the-studio-with-jylian-gustlin http://www.eisenhauergallery.com/artist/jylian-gustlin https://www.1stdibs.com/creators/jylian-gustlin/art/ http://www.freshandrawsheisart.com/single-post/2016/11/02/Jylian-Gustlin https://www.artsy.net/artist/jylian-gustlin?page=1&sort=-partner_updated_at Nota: La propiedad intelectual de las imágenes que aparecen en este blog corresponde a sus autores y a quienes éstos las hayan cedido. El único objetivo de este sitio es divulgar el conocimiento de estos pintores, a los que admiro, y que otras personas disfruten contemplando sus obras.

En una entrevista exclusiva, dialogamos con el pintor francés Marcos Rodrigo sobre su obra, el ambiente pictórico de Francia, su relación con las galerías y sus artistas favoritos, entre otras cosas. “No he tenido maestros, mi trabajo lo he logrado mirando, leyendo y sobre todo pintando, pintando y pintando mucho”, admite. Por Camila Reveco [email protected] Periodista cultural con especialidad en artes plásticas Argentina Marcos Rodrigo es un pintor figurativo francés nacido en 1957 cerca de Salamanca, España. Llega a Francia con sus padres en 1961 con apenas cuatro años y se radican en Montcabrier, cerca de Cahors (a 150 km de Toulouse) . Por sus orígenes el artista habla español prácticamente a la perfección y gracias a eso -y la tecnología- pudimos felizmente concretar esta entrevista a través de audios sin que importe la distancia geográfica. El creador pinta al óleo con una espátula sobre tela y la mujer ocupa una posición prominente en su trabajo. Su enfoque lo resume de la siguiente manera: "Si en nuestra vida la importancia de la mujer es fundamental ¿por qué para nuestra sociedad es tan difícil reconocerlo? Pintando sus múltiples facetas trato de devolverle un poco de la riqueza que ella nos ha dado desde el momento en que nos dio a luz a todos nosotros”. Su pintura ha ido variando a lo largo de treinta años de oficio. En un principio Rodrigo (que ahora vive en la ciudad de Lèojac, cerca de Toulouse) se ocupó de representar calles, edificios y distintas escenas cotidianas, pero las mujeres siempre estuvieron en su obra pictórica, desde el comienzo. “Antes hacía cosas muy duras, fuertes y tristes y hace ochos años decidí que esa etapa estaba terminada” reconoce y agrega: “Lo único que quiero hacer es un poquito de bien a los que miran mi pintura porque la vida misma se encarga de hacer el mal con todo”. Lo dice un artista al que un día la vida “se le dio vuelta” y él tuvo que decidir (con todos los miedos que implica tomar decisiones) cómo iba a resolver su futuro; y eligió pintar. Eligió ser libre, y no erró. Sobre las sensuales mujeres que plasma en su tela explica: “El público de alguna manera se identifica con gente bonita o de rasgos finos. Y yo represento en mi pintura lo que le gusta al público”. Un pintor tan apasionado como honesto. -¿Cómo se inició en el mundo del arte? -Cuando yo era niño no se hablaba de arte. Mi padre llegó aquí a Francia con mis dos hermanas y mi madre en 1961. El me enseño como trabajar la piedra y cómo trabajar la madera. Yo pintaba, dibujaba mucho pero… pintaba como lo hacen todos los niños. No es lo que aprendí realmente. Lo que aprendí fue más bien escultura. Mis dos hermanas se han casado con talladores, talladores de piedra pero para hacer casa, muros, chimeneas. Es un país al que vine de niño, donde hay mucha piedra. Entonces yo cuando tenía vacaciones, para ganarme una plata pues iba a trabajar a talleres. Pero mis padres no conocían de arte y no tenían trato con artistas. Me gustaba mucho dibujar y de bebé amaba los libros ilustrados, pero mucho, mucho. Cuando tenía veinte años tuve la suerte de encontrarme con dos personas que les gustaba mucho dibujar y ellos me enseñaron a pintar rostros. Llegó un momento en que me casé y como vivía en un departamento y trabajaba en otra cosa que nada que ver, me metí a pintar con pasteles. Una vez casado me hice un atelier en mi casa y pintaba pero no mostraba lo que hacía… -Entonces…. ¿cómo empezó todo? -Un día vinieron personas de visita que tomaron unas pinturas y las mostraron en algunas exposiciones que se improvisaban en restaurantes y a partir de ahí la gente del pueblo empezó a saber lo que pintaba y comencé a tener algunos pedidos y a vender un poquito. Empecé a interesarme en los grandes artistas y cada vez que con mi familia salíamos de paseo recorríamos museos, conocemos casi todos los museos de Europa. Y cada vez que veía algo así, extraordinario, me daban más ganas de pintar. También me compre muchos libros, muchos y seguí pintando, pintando y pintando. En al año 1993 empecé con asociaciones a exponer. Pintaba durante toda la noche, los fines de semana…. durante las vacaciones. Yo vivía de otras cosas entonces no tenía el problema de vender con urgencia lo que producía. Con el tiempo me separé y arme mi taller en otro sitio….y poco tiempo después ¡perdí también mi trabajo! (teniendo niños a los que tenía que pagarle los estudios…) Así que me encontré con cincuenta años y sin el trabajo que tenía en mi ciudad… O me iba a Paris y podía vivir allí una vida de manera regular o cambiaba totalmente de vida e intentaba vivir de la pintura…. Y es lo que escogí. No he tenido maestros, mi trabajo lo he logrado mirando, leyendo y sobre todo pintando, pintando y pintando mucho. "Crear con rapidez, gran secreto para crear lo vivo. La vida no espera. La vida no reflexiona". Gastón Bachelard en "El derecho de soñar" -¿Cuánto tiempo le demanda -promedio- preparar una pintura y que especificidades tiene trabajar con espátula? -Me toma mucho tiempo prepararlo todo. Todo el día, todo el tiempo estoy mirando lo que podría llegar a interesarme y esa búsqueda la hago en internet, en libros. Cuando tengo una idea la pienso un día, o una semana o un mes. No importa. Trabajar la idea es lo que me toma más tiempo. Una vez que decido que quiero decir o que quiero mostrar, hago una maqueta que muchas veces la resuelvo en la computadora. Una vez que esa maqueta la visualizo, hago un dibujo, un dibujo a tinta y así imagino lo que podría ser el cuadro. Después tomo una tela y hago ese dibujo ahí mismo. Una vez que todo está seco empiezo a trabajar con color. Preparar la tela y dibujar sobre ella va a tomarme un tiempo considerable. Como yo uso espátula tengo que pintar rápidamente porque la pintura cuando empieza a secarse, pues… es muy difícil trabajarla. Puedo tomarme como máximo cuarenta y ocho horas pintando. Si veo que lo que hago no vale, borro todo y vuelvo a empezar porque muchas veces la pintura ha empezado a secarse y se me hace imposible seguir trabajando. En general, desde que se me viene la idea, preparo la tela y pinto, me llevará unos seis días. Si trabajo con óleo toma entre un mes y medio y dos meses para secarse. Después paso un poquitito de barniz y se terminó. - ¿Qué cree que le aporta esa “cocción lenta” a una pintura? -La cocción lenta yo la tengo antes de pintar. Mientras más lento pinto… más fino es lo que se ve, pero pierdo también mucho en fuerza. A mí me gusta pintar y meter el color muy rápidamente. Lo que me lleva mucho tiempo es el inicio, llegar a la idea. - ¿Nunca se sintió tentado por “correrse” de la figuración e indagar en otras corrientes estilísticas? -Pintar, escribir o hacer una instalación o una escultura para mí es la misma cosa. Empecé a esculpir de chico junto a mi padre. Con todo lo que he aprendido estos últimos treinta años pienso que con el video o las instalaciones se pueden hacer cosas interesantes. A mi poco me importa la manera que el artista elige para comunicar. Lo que es importante es lo que vas a vehiculizar. Antes hacía cosas muy duras, fuertes y tristes y hace dos años decidí que esa etapa estaba terminada. Lo único que quiero hacer es un poquito de bien a los que miran mi pintura porque la vida misma se encarga de hacer el mal con todo. - Me gustan los encuadres y el punto de vista que elige para sus obras, no son comunes. Los cortes, los “contra picados”, la modelo a la derecha de cuadro… Es bastante fotográfico y hasta publicitario lo suyo ¿no cree? -Esas maneras de presentar a las personas en el cuadro es para que la vista del espectador se concentre sólo en lo que quiero mostrar. Suelo cortar pies, a veces parte de la cara. Yo solo hago una parte del cuadro y quien lo ve tiene que hacerse su propia historia. Sólo trato de orientar al público sobre la manera, o la dirección, al momento de mirar el cuadro. Me gusta mucho encuadrar así y siempre me ha gustado, desde joven, la fotografía. No sé si es publicitario mi trabajo, pero si es una forma de modernidad. Quiero que mi trabajo sea mirado por gente mayor como también por gente joven. - Sus modelos son todas jóvenes y lindas; cumplen a la perfección con el actual estereotipo de belleza: mujeres altas, delgadas y de rasgos finos. ¿No lo han criticado por eso? ¿Se trata del tipo de mujer que usted le gusta? -Sí, muchas personas me lo han dicho. Pero no es verdad, he pintado también a personas de mucho peso, o personas no muy jovencitas…. Y un poco gorditas. Me ha gustado hacerlo y lo he mostrado. Pero no es lo que se vende, no es lo que la gente guarda y comparte. Pero te puedo mostrar personas que he pintado por años que es más bien gente “gordeta”. Las personas se pueden representar feas como se puede representar bellas, y eso va más allá de su figura. Lo que la gente comparte y guarda es - finalmente - lo que a la gente le gusta y quiere ver. El público de alguna manera se identifica con gente bonita o de rasgos finos. Y yo represento en mi pintura lo que le gusta al público. - El trabajo con espátula exalta el grado de erotismo y sensualidad que tiene su obra porque en muchas de las poses permite que ciertas zonas no se vean con suficiente nitidez. Invita a la imaginación… -Pues, creo que has dicho todo. Hace cuatro o cinco años que trabajo con espátula y lo que me gusta es que me permite trabajar cosas eróticas, sensuales, sin caer en la vulgaridad. La espátula me permite sugerir; mostrar cosas pero sin mostrarlas realmente. El que mira, se hace su historia. - Estas tres obras son realmente las que más me gustan. ¿No se trata de la misma modelo verdad? ¿Podría contextualizarme un poco sobre estos trabajos y contarme la historia detrás de cada pintura? 1 2 3 -Cuando utilizo la imagen de una modelo la transformo, le hago cambios. Yo utilizo al modelo como materia para decir o mostrar algo en especial. Lo que me gusta de la número uno es que no se sabe exactamente lo que está haciendo y me gusta saber lo que mi trabajo va a generar en el otro. La pintura número dos tiene una historia y he hecho muchas de ese estilo. He pintado esa silueta en interior y exterior. Lo que me interesa es esa manera de andar y de abrirse la blusa. Me parece erótico pero también imprime el concepto de libertad. Anda suelta, con el viento, muestra la cola….Tiene implícita la idea de: “Mírame, pero yo sigo adelante y hago lo que quiero”. Eso creo que cada mujer del mundo tiene derecho de hacerlo. Esa libertad es la que tiene que conseguir la mujer de hoy. La pintura número tres se llama “Libertad” y es un tema que me interesa mucho; sobre todo la libertad de la mujer. Hay tres colores: blanco, rojo y azul que son los colores de la bandera de Francia que representan la revolución y la libertad. Es un trabajo con fuerza en el que decidí dejar afuera a los ojos para resaltar los labios rojos. - ¿Siempre ha retratado mujeres? ¿No teme caer en la repetición? -Hace años he pintado calles, he hecho pinturas con temáticas variadas; paisajes, edificios… Pero la mujer es lo que siempre, siempre me ha gustado pintar y siempre la he pintado, desde el principio. Me parece incluso que puedo seguir pintándola mil veces, que siempre será diferente. No he representado siempre a las mujeres con esta misma técnica. He dibujado, he pintado al óleo con pinceles…. ahora uso espátula. La técnica igual poco importa, lo importante es lo que se siente y la emoción que pueda recibir el espectador al mirar. - ¿Cómo es el ambiente pictórico de Francia y de su ciudad? -Es bueno, pero hay que hacer muchas fechas. Hay que invertir mucho dinero para poder exponer. Muchos de mis amigos para poder llegar a vivir de su pintura dan cursos, le enseñan a pintar o jóvenes o jubilados. Lo que pasa con eso es que te lleva muchas horas entonces ya no te da el tiempo a ti de crear. Yo prefiero pintar y tratar de vender lo que he pintado. Trabajar con las galerías es bastante difícil porque venden poco y lo que venden son de personas ya muy muy conocidas. Pero en pintores como yo, conocidos pero no mucho, no muestran mucho interés. También tengo la suerte de trabajar con seis o siete galerías, pero no venden demasiado. Otra cosa que pasa con las galerías es que… o te piden que pagues o si no, pues, se quedan con entre el cuarenta y el setenta por ciento de la venta. Así que… te queda muy poquito. Acá en mi ciudad, la gente sí… me conoce pero no hay gente que compre arte. Hay que hacerse conocido en otros lugares y también si es posible, en el extranjero. -¿Qué pintores latinoamericanos rescata? -Conozco a pocos pero, claro que conozco a Diego Rivera, Frida Kahlo. Hay de ellos películas y he comprado libros sobre esos dos artistas. Pero no puedo decir que me gusta mucho, mucho el trabajo de Rivera. Me gusta lo que es él como hombre: muy especial, fuerte, con ideas políticas. De Frida me gusta lo que representa con mujer y su carácter. Es un personaje extraordinario. Una mujer muy fuerte y moderna para su época. Aunque lo que ha pintado no es lo que prefiero. De Colombia rescato a Fernando Botero ¿quién no lo conoce, no? También me gusta a mí porque ha pintado cuerpos y los ha pintado de una manera muy particular; me gusta mucho y sigue siendo un artista moderno. Uno al que sí, me gusta, me gusta su pintura es Antonio Berni. Me inspira realmente. Y si tuviera que elegir mi preferencia de un artista sudamericano que sea contemporáneo me quedo con Débora Arango (Colombia, 1907-2005). Pinta cuerpos, tiene una fuerza y determinación. Creo que una pintora de ese tamaño hay pocos. Es una pena que se ha haya marchado y que no hayan otros pintores que hoy hagan un trabajo de ese tipo, con tanta convicción (al menos yo no los conozco). Terminaría destacando a Roberto Fabelo (Cuba, 1950). Lo poco que he visto de él realmente me parece muy bueno. Además me gusta esa manera de dibujar. Hace cosas que a mí me hubiese gustado hacer. Sobre el pintor: Nombre: Marcos Rodrigo Fecha de nacimiento: 30 de mayo de 1957 Lugar de nacimiento: Cubo del Vino, Provincia de Zamora - España Estudios formales: Universidad Menciones/Reconocimientos: Diploma universitario técnico Sus gustos: Un libro: “Le rouge et le noir” - Stendhal Un grupo de música o un solista: Léo Ferre o Georges Brassens Un disco: “La llorona” de Lhasa de Sela Una canción: “I want to break free” - Queen Una película: “Midnight Express” o “Birdy” - Alan Parker Un hobby: Me gusta el cine y hacer crecer arbolitos cultivando granas Exposiciones y premios: Primer premio de pintura del Instituto Europeo de las Artes en 2014. Presenta sus obras en exposiciones y galerías en Francia y en el extranjero. Sus pinturas se encuentran ahora en varias colecciones privadas de Europa, América y África. • 2015: FERIAS Y EXPOSICIONES EN FRANCIA: · « ARTOULOUSE » · « ANTARES CREATIV » en TOULOUSE · SCIAC en MARSEILLE · SM'ART en AIX EN PROVENCE · ART ET GARONNE en VALENCE D’AGEN · ARTS ATLANTIC en LA ROCHELLE … • 2014: · FERIA « ARTOULOUSE » (FRANCIA) · EXPOSICIÓN "LOS COLORES DE PRIMAVERA '14" en Lauzanne (SUISSE) · EXPOSICIÓN « PLURI’ELLES » (TOULOUSE) – En apoyo de la lucha contra el cáncer del pecho · EXPOSICIÓN en la WARD NASSE GALLERY (NUEVA YORK) · EXPOSICIÓN en la CONCORDE ART GALLERY (PARIS) · EXPOSICIÓN en la galería Sylvain DUMOUCHEL (GATINEAU – QUEBEC) · EXPOSICIÓN PERSONAL en el castillo de FRONTON · Grand premio de la ciudad de CASTRES (FRANCIA) · Medalla de Vermeil de las Artes y las Letras de Francia • 2013: · SM'ART d'AIX EN PROVENCE (FRANCIA) · ART ET GARONNE en VALENCE D’AGEN (FRANCIA) · ARTS ATLANTIC en LA ROCHELLE (FRANCIA) · art3f en MULHOUSE (FRANCIA) · BIENAL DE PASTEL SECO en VILLEPINTE (FRANCIA) · Palma de Oro – ARTOULOUSE en TOULOUSE (FRANCIA) • 2012 Primer Premio del Consejo Regional - Salón de Otoño de Albi (FRANCIA) • 2012 Medalla de Bronce en la Feria Internacional de Otoño de Sorèze (FRANCIA) • 2012 Exposición individual en VALENCE D’AGEN (FRANCIA) • 2011 Medalla de Plata otorgado por ARTES Y LETRAS FRANCIA - BURDEOS (FRANCIA) • 2010 Medalla de la Ciudad de AUTERIVE (FRANCIA) Entre otros.- Contacto: Facebook: https://www.facebook.com/marcos.rodrigo.75 Web: http://www.marcos-rodrigo.com/ Otro: https://www.linkedin.com/in/marcos-rodrigo

Robert Malherbe Back of Nude, 2016 ‘When I first saw Robert’s work it made me stop in my tracks and go in close, and once in I felt immediately consoled by their inherent intimacy but also the lather he seems to get himself into getting the job done. Peaceful yet frenetic he manages to be able to accurately map the moo