Titulo: Sensation Autor:©Hessam Abrishami Galerìa y Biografìa del Artista - Pulse aqui

Artist combines features from several different models to build his magical realism montages. His work is on display at Fotografiska, the photographic museum in Stockholm, until 2 June

El talentoso artista holandés Ruud van Empel crea montajes digitales fotorrealistas mediante la combinación de cientos de sus propias imágenes.

"In deviating from the standard iconography by giving the child a dark skin, Van Empel inadvertently assumes a political stance. After all, this child is still the focus of discrimination and its innocence is not recognized by everyone as being self-evident" - Jan Baptist Bedaux, Art Historian

Georges Roussin - Ophelia

Um dos lugares que mais tinham me deixado ansioso para voltar a Paris eram os famosos jardins de Monet. Os jardins ficam em Giverny, uma comuna francesa próxima de Paris. O bate-volta é super viável. Além da notória fama dos jardins, outro dos motivos que nos levaram a Giverny é porque o lugar é o

The view of a small village, with houses lumped together, is a nice way to learn and create warm & cool colors. Half of the village is surrounded by the cool colors of the night, and the other …

32" x 45" oil on paper mounted on wood, 2006.

Vejo flores em você! Olaf Hajek, artista alemão, enche nossos olhos de cor e beleza com suas obras de forte inspiração em flores, folhas, frutas e até pássaros. Com detalhes riquíssimos, as telas de Olaf são aquelas que podemos ficar observando e admirando por horas. Para mim, suas peças transmitem alegria em figuras quase mitológicas com suas cabeças de buquê de flores. Para observar e se inspirar nas combinações de cores que surgem nos detalhes. Fiquem a vontade para curtir a nossa galeria do artista!

"La creación artística siempre ha sido una experiencia alegre de mi vida, y me siento bendecido por ser capaz de compartir esa alegría con los demás " Keith Duncan Mallett nació el 7 de octubre de 1948 en Roaring Spring, Pensilvania. A las doce años empezó a pintar como un hobby. Estudió pintura en la Art Students League y Hunter College en la ciudad de Nueva York. Es un artista americano que ha trabajado como pintor, chutiya grabador y en cerámica artista. Su temática abarca desde lo figurativo a la naturaleza muerta y resúmenes. El trabajo de Mallett ha sido expuesto por todo el mundo y se exhibe en colecciones corporativas y privadas. También ha disfrutado de un éxito considerable con sus numerosos grabados de edición limitada, y se le ha dado el encargo de elaborar la letra oficial de edición limitada que conmemora el 50 aniversario de Jackie Robinson avance 's en las Grandes Ligas. En 1980 se trasladó a Los Ángeles para seguir adelante con su carrera artística. Comenzó a trabajar para Jam Eléctricas Registros y comenzó a exponer su obra en numerosas galerías. Poco después de mudarse a Los Ángeles se trasladó a San Diego para trabajar con Front Line Graphics. Pronto comenzó a concentrarse en la pintura de las bellas artes y el arte afroamericano. Con el éxito mundial de "Generaciones", Mallett comenzó su propia compañía Keith Mallett Studio Inc. Actualmente Mallett vive en San Diego con su esposa Dianne y tienen un hijo, Christopher. Aquí os dejo una muestra de su obra, espero que os guste tanto como a mí. Familia En brazos de la abuela Tres hermanas Despertar del alma Girasoles Jaha - prosperidad Kikora - Alegria Vuelo del alma Diva Orquideas

Berit Hildre sculptor offers us all the innocence of childhood. Berit Hildre is a self-taught artist, born in Aalesund, in Norway...

Lunar Eclipse / Artist: Eduardo Rodríguez Calzado / Oil on Canvas / 120 x 100 cm. / 2014 http://eduardorodriguezcalzado.com

"In deviating from the standard iconography by giving the child a dark skin, Van Empel inadvertently assumes a political stance. After all, this child is still the focus of discrimination and its innocence is not recognized by everyone as being self-evident" - Jan Baptist Bedaux, Art Historian

Stoneware, 19" x 35"

Thom Puckey Thom Puckey trabajando en una de sus esculturas / at work with one of his sculptures. Thom Puckey es un pintor, es...

San Jorge y el dragón / Sant Jordi i el drac Quiero comenzar un nuevo recorrido histórico en el tiempo de otro santo guerrero; en este caso y tal y como me sugirió mi amigo Roger, lo haré de uno de los santos más emblemáticos y representados durante el medievo: San Jorge. San Jorge fue el santo protector por excelencia de los caballeros, y se instituyó como santo patrón de Inglaterra, Portugal y del Reino de Aragón, entre otros. La figura de San Jorge, "Sant Jordi ", nos ha dejado las que son, posiblemente, algunas de las imágenes más bellas del arte medieval. Hoy vamos a empezar por una de esas obras maestras: San Jorge y el dragón, de Bernat Martorell. Bernat Martorell (San Celoni 1390 – Barcelona 1452) es un pintor perteneciente a la segunda etapa del estilo gótico internacional en Cataluña, más próximo al estilo flamenco. Su pintura es de una gran precisión técnica usando una pincelada minuciosa y de un gran colorido. Lo cual convierte sus obras en auténticos documentos historiográficos. (1) Tabla de San Jorge y el dragón por Bernat Martorell Esta obra es una pintura al temple sobre tabla, que forma parte de un retablo realizado por el artista entre los años 1430-1435 y que actualmente se encuentra repartido entre los Museos de Chicago (Art Institute of Chicago) y el Louvre. El panel principal, fechado hacia el 1434/1435, nos muestra a San Jorge en el momento de luchar contra el dragón para salvar a la dama. Esta obra es de una gran belleza plástica pero además tiene la virtud de mostranos a un caballero completamente armado de una época de transición de la que se conservan pocos restos materiales. Descripción del caballero: San Jorge monta un caballo blanco. Se aposenta sobre una silla cómoda y ligera pero con los arzones traseros envolviendo ligeramente al caballero por detrás para sujetarlo más firmemente; las piernas completamente estiradas se apoyan en los estribos en un tipo de monta denominada "a la brida", característica de la caballería pesada que pretendía manterner al caballero lo más firmemente asentado posible, a fin de aumentar su potencia y efectividad en el choque contra el adversario. Llama la atención el aire de "modernidad" que muestra la figura del caballero, éste se nos presenta vestido con armadura completa siguiendo las modas más novedosas importadas desde los centros armeros de Italia (especialmente Milán). Su armadura va completamente "pavonada" en negro, técnica mediante la cual se protegía de la corrosión a la armadura, a la vez que le proporcionaba un aspecto estéticamente agradable, al contraste con los elementos dorados de la armadura. (2) Detalles de la armadura de San Jorge , 1434/1435. (Art Institute of Chicago) El caballero protege su cabeza con un "almete". Este tipo de casco, de origen posiblemente italiano, tuvo una amplia difusión , y quizás sea ésta una de las primeras representaciones gráficas del mismo en la Península Ibérica. Se trata de un tipo de casco que cubre toda la cabeza y consta a su vez de una vista o visera abatible y de un gorjal que defiende la cara y el cuello. Protege su pecho con una coraza, que no se puede apreciar, ya que sobre ella lleva una pieza de tela anudada a la coraza y sobre la cual porta su divisa o enseña, en este caso la "Cruz de San Jorge", de color rojo, sobre fondo blanco. Una apertura lateral en este tejido permite sobresalir el "ristre" sobre el que el caballero hacía descansar su lanza cuando se disponía a cargar contra un adversario. La protección del abdomen se completa mediante la "sobrebarriga", formada por cuatro anchas launas de metal. Estas amplias sobrebarrigas son herederas aún de la tradición peninsular que podemos rastrear en los ejemplos escultóricos de finales del siglo XIV y principios del XV en Galicia. De la sobrebarriga pendén mediante correas unas características escarcelas rectangulares. Para proteger los hombros lleva dos hombreras, éstas presentan también una importante novedad, son asimétricas. La derecha es de pequeño tamaño, con la finalidad de que no estorbara la colocación de la lanza sobre el ristre o los movimientos del brazo del caballero; mientras que la izquierda es de mayor tamaño, a fin de proteger mejor la parte más expuesta del caballero al ataque del contrincante. Estas hombreras iban unidas mediante cordones o un pasador, como en este caso, a las piezas subyacentes de la armadura. Bajo la coraza podemos ver una lóriga de cota de malla también pavonada de color negro. Los brazos codos y antebrazos perfectamente cubiertos, las manos con guanteletes de tipo italianizante y guantes con protecciones metálicas para los dedos. Al igual que las piernas que van perfectamente protegidas por las pertinentes piezas de metal. La mayoría de los rebordes de las piezas metálicas van decoradas en color dorado, que resaltan sobre el negro de la armadura. Lleva también unas largas espuelas doradas, uno de los símbolos del caballero, y tan necesarias en la monta a la brida. Con la mano derecha sostiene una lanza con la insignia de San Jorge en ademán de alancear al dragón, mientas con la izquierda sujeta las bridas del caballo. Del costado derecho pende un puñal con caras o facetas prismáticas que favorecían su uso frente a adversarios igualmente cubiertos con armadura. Del costado izquierdo pende una espada, de la que sólo se alcanza a ver el pomo dorado de la misma. No lleva escudo, el nuevo caballero se siente invulnerable tras sus protecciones de metal, debidamente reforzadas en los puntos más sensibles o vulnerables. (3) La princesa, ricamente ataviada, observa el desenlace de la contienda. Conclusión: Estamos ante una obra singular del ámbito catalán, que podremos comparar en próximas entradas con otros caballeros del levante peninsular; y que denotan, por una parte, una muy temprana asimilación de los modelos que surgen en Italia, aunque manteniendo características propias. La calidad de esta obra pictórica del gótico internacional nos ayuda, una vez más, a comprender más sobre como vestían y se armaban aquellos caballeros de la Edad Media. Fotografías: (1),(2),(3) Estas fotografías han sido obtenidas de: http://commons.wikimedia.org/wiki/File%3ABernat_Martorell_-_Saint_George_Killing_the_Dragon_-_Google_Art_Project.jpg

Daniel Maidman was born in 1975 in Toronto, Canada. He was raised in Toronto, Jerusalem, Washington, and Chicago, and attended college in North Carolina and Texas. While living in Los Angeles, he set himself on a program to learn how to draw and paint the human figure. He attended life drawing workshops 2-3 times a week for ten years. As well, he spent two years drawing an anatomical atlas based on human cadaver dissections in which he participated at Santa Monica College, under the guidance of Dr. Margarita Dell. Illustrations from his atlas are currently in use in the United States Army’s forensic field manual. Since moving to New York, Daniel Maidman has sped up his painting schedule, while refining his skills through life drawing workshops, and his thoughts through conversations with painters Stephen Wright and Adam Miller.

Identificado con los ideales revolucionarios de su patria, Rivera volvió desde tierras italianas a México (1922), en un momento en que la revolución parecía consolidada. Junto con David Alfaro Siqueiros se dedicó a estudiar en profundidad el arte maya y azteca, que influirían de forma significativa en su obra posterior. En colaboración con otros destacados artistas mexicanos del momento (como el propio Siqueiros y Orozco), fundó el sindicato de pintores, del que surgiría el movimiento muralista mexicano, de profunda raíz indigenista. Durante la década de los años 20 recibió numerosos encargos del gobierno de su país para realizar grandes composiciones murales (Palacio de Cortés en Cuernavaca, Palacio Nacional y Palacio de las Bellas Artes de Ciudad de México, Escuela Nacional de Agricultura en Chapingo) en las que Rivera abandonó las corrientes artísticas del momento para crear un estilo nacional que reflejara la historia del pueblo mexicano, desde la época precolombina hasta la Revolución, con escenas de un realismo vigoroso y popular, y de colores vivos. En este sentido, son famosas, por ejemplo, las escenas que evocan la presencia de Hernán Cortés en tierras mexicanas (por ejemplo, la llegada del conquistador a las costas de Veracruz, o su encuentro en Tenochtitlán con el soberano azteca Moctezuma II). The central door leads to the main patio which is surrounded by Baroque arches. Only the balustrade of this area has been remodeled, conserving the murals by Diego Rivera that adorn the main stairwell and the walls of the second floor. In the stairwell is a mural depicting the history of Mexico from 1521 to 1930,[1] and covers an area of 450 m2 (4800 ft2).[3] These murals were painted between 1929 and 1935, jointly titled "The Epic of the Mexican People".[1] The work is divided like a triptych with each being somewhat autonomous. The right-hand wall contains murals depicting pre-Hispanic Mexico and centers around the life of the Aztec god Quetzalcóatl. Quetzalcóatl appears in the mural as a star, a god, and a human being. Created by serpents, he sails through space as a star that accompanies the sun at night. Quetzalcóatl then assumes a human body to teach the Aztec people as their king and patriarch. Last, when he sacrifices his blood to give life to men, he returns to the sky having completed his earthly cycle. Once he leaves the earth, Quetzalcóatl assumes the shape the morning star, called Tlahuizcalpantecuhtli. The cycle that he undergoes signifies the continuous cycle of life. Rivera's creation of a Mexican identity helps to continue the reform that began with the Mexican Revolution of 1910. Before this time, any individualism from the Indians was discouraged as well as any allusion toward Aztec origins. The mural aims to dismiss any idea of inferiority.[4] In the middle and largest panel, the Conquest is depicted with its ugliness, such as rape and torture, as well as priests defending the rights of the indigenous people. The battle for independence occupies the uppermost part of this panel in the arch. The American and French invasions are represented below this, as well as the Reform period and the Revolution. The left-hand panel is dedicated to early and mid-20th century, criticizing the status quo and depicting a Marxist kind of utopia, featuring the persons of Plutarco Elías Calles, John D. Rockefeller, Harry Sinclair, William Durant, J.P. Morgan, Cornelius Vanderbilt and Andrew Mellon as well as Karl Marx. This part of the mural also includes Frida Kahlo, Diego's wife.[1] This mural reflects Diego's own personal views about Mexico's history and the indigenous people of the country in particular.[3] Diego also painted 11 panels on the middle floor, such as the "Tianguis of Tlatelolco" (tianguis means "market"), and the "Arrival of Hernán Cortés in Veracruz". These are part of a series depicting the pre-Hispanic era. Peoples such as the Tarascos of Michoacán, the Zapotecs and Mixtecs of Oaxaca and the Huastecs of Hidalgo, San Luis Potosí and Veracruz. However, this series was not finished.

En las estilizadas esculturas del artista británico Michael Talbot, el duro y frío bronce se convierte en figuras de una levedad sutil y ...

Dreams And Adolescence In 'Ruud van Empel: Photoworks 1995-2010'

“I’m merely trying to capture the essence of a woman.”

Peter Demetz talla a mano figuras de madera que parecen estar vivas

"Gary Kelley received his degree in art from the University of Northern Iowa, began his career as a graphic designer and art di...