KUNSTRAUM KASSEL | Architekten Innauer Matt
Simon Starling PLANT ROOM Natural Form – Sculpture – Artwork – Machine by Bärbel Vischer Simon Starling’s conceptual objective for his installation at Kunstraum Dornbirn is the experiment, thus turning the exhibition site into a test field for sounding out the difference between the idea and the function of a laboratory as well as of a classical institutional (or museal) presentation. Subject to the unregulated climatic prerequisites in the Kunstraum’s former 19th century assembly hall for the manufacture of turbines, the given exhibition situation takes place in a permanent state of transformation and change. External factors like light, temperature and humidity play a role in the listed building with its intentionally untouched interior just as much as do the visitors to the exhibition. These are factors that every artist who plans a project here has to consider. This means that Starling, in the run-up to his exhibition, also visited Dornbirn to examine the hall. The only restriction that was stipulated was the impossibility of presenting photography. This was precisely the restriction that sparked Starling’s attention. Thus the paradox occurred that supposed boundary lines can open new possibilities of consideration. A problem simultaneously implies a solution and, in this case, set an artistic process in motion. In his work, Simon Starling studies objects, structural shells, materials and concepts as regards the aesthetics of a certain era, the given production conditions, as well as the cultural and political backgrounds. His narratively grounded sculptures and installations often contain the factor of transformation. The artist takes over the potential transformability of objects and cyclical structures, makes them his own and takes them a step further, sometimes overstepping the boundary to fictional associations. Starling makes latent recurring cycles visible and highlights unusual correlations in history, geography, art and society. One aspect of his artistic strategy is to set projects in an immediate, often site-specific context and then work with the resulting thematic contents. Fundamental thoughts on the relationship between nature and modernism are reflected in the experimental process used to develop the project “Plant Room”. On display at the center is an exemplary selection of photographs by Karl Blossfeldt (1865-1932), who is one of the most important representatives of Neue Sachlichkeit or New Objectivity in the history of photography. From 1899 to 1930, Blossfeldt taught “modeling from living plants” in the educational department of Berlin’s Museum of Applied Arts, today the University of the Arts. Bronze models of plants and their details were produced, as well as plant specimens, all of which served as illustrative material for study. Even more significant are the photographs that were taken in the same period. Published in 1928 as “Urformen der Kunst”/proto-forms of art, these reduced, analytical images at the crossroads between naturalism and the avant-garde became known in the art world almost overnight.[1] Simon Starling – who in his work probes the material, the form and the function of things, of structures and of phenomena and has, since the early 1990s, been increasingly occupied with modernist concepts – looked at Karl Blossfeldt’s photographs as regards the extrication of the form and the conceptual depiction of the vegetal thing-world. Blossfeldt’s entire oeuvre documents a moment in the history of art when the structure of plants was not only incorporated into aesthetically pleasing forms, but was also absorbed into the concepts of architecture and design. His photographs are not meant as illustrative images of plants, but correspond more to tectonic models that convey the concept of figurativeness. Simon Starling, starting from the climatic conditions in the exhibition hall at Kunstraum Dornbirn, went on to develop his installation. “Plant Room” is in English the name for a machine room in large buildings and its function here is similar to a botanical greenhouse, however, one for the presentation of Blossfeldt’s vintage prints in correspondence with the conservational guidelines of the early 20th century. Following the design of a climate cell, which was preceded by an interdisciplinary and cooperative work process, Starling brought together the formal relations between the chosen photographic subjects, the technology required for a natural climate regulation and the mud brick architecture that was developed in this context. The body of the structure, whose plan has an abstract impact on the proportion and significant architectural design elements as well as on parts of the original furnishings of the assembly hall, was – as the starting point – simultaneously reduced to its functional construction and was free from specific cultural connotations. These latter, however, the viewers recruit themselves as projections that accord with the context of their respective cultural environment. The artist has here developed an enclosed, microcosmic system as a poetic revision, so to speak, a self-regulating lebensraum for Blossfeldt’s plant world. At the exact center of the exhibition hall, the archaic, monolithic structure that reflects a primal architectural form becomes a meditative three-dimensional experience, whose interior offers us a constant show piece and its exterior a changing one. The monument made of loam designed by Simon Starling is at the interface between sculpture and architecture, tradition and technology, function and reception, against the background of established models of presenting art – “Plant Room” vs. white cube. The white cube is primarily understood as an exhibition concept that presents art in neutral rooms so as to avoid any interaction between the architectural shell and the art object and to focus attention on the works on display. “A gallery is constructed along laws as rigorous as those for building a medieval church. The outside world must not come in, so windows are usually sealed off. Walls are painted white. The ceiling becomes the source of light,” as Brian O’Doherty wrote in the American magazine Artforum that published his essays on the series “Inside the White Cube”.[2] As far as the discourse on the presentation of art goes, O’Doherty’s essay is still applicable today; the white cube is accepted as the conventional and most widespread exhibition form. Kunstraum Dornbirn, with its exhibition hall within an industrial architecture and by its specification a non-neutral space and location, initiates situative exhibitions, i.e., ones that relate to and are necessarily involved in aspects of the local environs – a state of affairs that suits Simon Starling’s interdependent way of working just fine. In his project “Plant Room”, Starling at first studied the conditions within which the presentation of art is possible, probing the intense relationship between the fictive and the real exhibition room for photography. At the same time he took up the given atmospheric intensity of the monumental hall in his development of the sculptural shell, a room within a room. A specific cell was conceived, a structure made of loam for presenting the photographs of Karl Blossfeldt. The cantenary arch constructed for this corresponds to the ideal form of a compression arch adapted to the desired dimension of the architecture, a form determined in the exhibition hall by hanging a chain from the ceiling to determine the highest point of the brick roof. Loam, which is one of the oldest in the history of European and non-European architecture, regulates humidity, stores warmth, binds pollutants and is completely recyclable. Reinforcing the climate-regulating properties of the natural material, high-tech meets low-tech, whose differing elements and polarities Simon Starling has deliberately made visible in the installation. The edifice itself is made exclusively of loam, whereby the arching brick walls have been left rough on the outside and smoothly plastered inside; the floor is of stamped earth. Into this mud brick architecture – which perfectly naturally provides for an optimal balance of 50% humidity – a hydronic system was integrated so that water, a natural and traditional resource of the region, is piped in that guarantees the optimal temperature of 18° to a maximum 22° Celsius. The energy for the entire system, including the artificial lighting for the photographs, is supplied by a fuel cell. At the core of this potentially revolutionary energy source, which itself is a project under development, are platinum metals, which function as catalysts for the reaction between hydrogen and oxygen and generate electricity and water as a byproduct. In this way the construction is made into a closed circuit structure, a self-sustaining “life support system” for Blossfeldt’s photographs of ‘technoid’ nature, works that enter a formal and conceptual bond with the architecture. For this project, Simon Starling has researched the archives of the University of Arts in Berlin and chosen these photographs by Karl Blossfeldt. His interest was aroused by less well-known prints than the subjects that, beginning with the first publications from the 1920s up to the commercially marketed postcard editions known to the broad public, had become iconic media images as part of the reception history of Blossfeldt’s work. The gelatin silver prints, arranged by Starling in pairs and surrounded by the organic architecture, allow visitors differentiated, individual and intimate viewing. By the means of an architectural stage-set, a three-dimensional backdrop and a machine, Starling highlights the character and the significance of the objects on show that themselves reflect the constructions of nature. The walk-in scenario is made up of an enclosure and the facility for an exhibition room including lighting and the display. The presentation of small, precious objects – here eight selected photographs by Blossfeldt shown in a neutral glass showcase that takes up the idea of the white cube – is based on the practice of the curiosity cabinets and Kunstkammer of the Renaissance.[3] By means of the vitrine, the museal situation of the availability and the simultaneous exclusion of the objects in the case is underlined, on the one hand, while, on the other, the specific design of the chamber – its associations to nature and technology that it additionally evokes – breaks down the distance to the pieces on display. In the fine arts, the elimination of the stage and the auditorium – the working area of a theater – is a success.[4] Contrary to a conventional exhibition, the space in an art installation functions in a different way. Here the whole space of the installation is understood as an artwork, an art room. “The space of the artistic installation works in an entirely different way. Here, the whole of the installation space is understood as a work of art – an art space. [With Simon Starling’s “Plant Room”] the viewer does not stand in front of the work of art, but enters it, positioning his body inside the art space which, from the very beginning, is declared to be the symbolical property of the artist – not of the public, nor the visitor. Anything exhibited in such a space becomes a work of art only because it is placed inside the space which is an art space. The differentiation between art object and simple object becomes insignificant here.”[5] All the objects found in such a room become part and parcel of the artwork because they are in this room that itself is an art space. The difference between an artwork and a simple object loses its significance. In the hands of Simon Starling, the photographs have become working material, yet without calling the authorship of Karl Blossfeldt in question. Starling regards the photographs as an ideal source and so reactivates Blossfeldt’s original intention of a collection of models and thereby develops a new interpretation. [1] Akademie der Künste Berlin (ed.), Konstruktionen von Natur. Von Blossfeldt zur Virtualität, Verlag der Kunst, Dresden, 2001. [2] www.societyofcontrol.com [3] Horst Bredekamp, Antikensehnsucht und Maschinenglauben. Die Geschichte der Kunstkammer und die Zukunft der Kunstgeschichte, Verlag Klaus Wagenbach, Berlin, 2002. [4] Juliane Rebentisch, Ästhetik der Installation, Surkamp Verlag, Frankfurt am Main, 2003, p. 21. [5] Boris Groys, Museum in Medien – Medien im Museum. Museum in the Media – Media in the Museum, Vienna: MAK, 2008, p. 37.
Since 1998 the Web Atlas of Contemporary Architecture
Klagenfurt - Kunstraum Lakeside presents exhibition program 2023: Hollow Ground.
Kunst Kultur Konzeption in Stuttgart. KuKuk entwickelt, plant und baut europaweit einzigartige Spielplätze, Erfahrungs- und Spielräume für Menschen jeden Alters.
#guidopalmadessa #lamolinastreetart | photo via museum mysl.nl/rxdR
We maakten grote kasten op maat voor school en bestickerden bestaande biebkasten. Er kwam een huishoek, lees- en chillhoek en bouwhoek met heuse legotafel.
Metropol Kunstraum - Kunst in der ehemaligen Metropol Tankstelle in München.
Metropol Kunstraum - Kunst in der ehemaligen Metropol Tankstelle in München.
Explore Kunstraum Hopfgarten's board "Holzschnitt" on Pinterest. | See more about Print..., Schrom and Be d.
Documentation of Alexandra Bircken, Anna Holtz at Kunstraum Schwaz is featured on Contemporary Art Daily.
Mit der Ausstellung ›Meeting Point‹ erinnern der Kunstverein Konstanz und der Kunstraum Kreuzlingen an das Konstanzer Konzil von 1414—1418. 16 nationale und internationale KünstlerInnen entwickelten ihre zeitgenössischen Ausstellungsbeiträge in den unters…
Mit diesen tollen Etiketten schaffen Sie für Ordnung im Kunstraum und die Bilder auf den Schildern erleichtern es Ihren Schülern nach dem Unterricht selbstständig aufzuräumen. Dieses Material ist in einer umweltfreundichen Version verfügbar.
… und wenige Minuten später werden meine Schüler dieses Bild in ihren Kunstraum tragen. Sie haben es ihrem Fahrrad mit Hilfe der Sonne abgeluchst. ✦ Doch eine grundsätzliche Erfahrung konnte ihnen nicht erspart bleiben: Für das Nachzeichnen des Fahrradschattens mit Zeichenkohle stand ihnen nur eine kurze Zeitspanne von ca. 15 Minuten zur Verfügung, schon dann…
Brie Ruais (b. 1982, Southern California) earned her MFA from Columbia University, New York, NY. She has exhibited her work at institutions including Craft Contemporary, Los Angeles, CA; Dallas Museum of Art, Dallas, TX; Everson Museum of Art, Syracuse, NY; Hayward Gallery, London, United Kingdom; Kunstraum Potsdam, Berlin, Germany; Musée d'art de Joliette, Joliette, Québec, Canada; and Museum of Fine Arts Boston, Boston, MA, among others. She has had solo exhibitions at Contemporary Craft, Pittsburgh, PA; Albertz Benda Gallery, New York, NY; Cooper Cole, Toronto, ON; Moody Center for the Arts, Rice University, Houston, TX; Nicole Klagsbrun, New York, NY; and Night Gallery, Los Angeles, CA, and among others. Ruais's work is in the permanent collections of Burger COLLECTION, Hong Kong; Dallas Museum of Art, Dallas, TX; and the Pennsylvania Academy of Fine Arts, Philadelphia, PA, among others. Past awards and residencies include the Montello Foundation Residency, the Pollock-Krasner Foundation Grant, Sharpe Walentas Studio Program, and The Virginia A. Groot Foundation Grant. The artist’s work has been written about in publications including Artforum, The New Yorker, and The New York Times. Ruais lives and works in Santa Fe, NM.
Peter Buggenhout caterpillar logic Peter Buggenhout, one of the major artists on the Belgian scene, discovers analogies and world pictures in transformational processes. Waste products and organic materials such as dust, found objects, hair, animal blood or intestines are translated by Buggenhout into contemporary sculpture. With an experimental method of production, he exploits the immanent transformability of objects and the cyclical structures of nature and makes them his own. In his engagement with the sculptural, Buggenhout follows the history of our concept of form in art and culture as shown in ritual practices. Interested in the abstraction of gestural and anti-form tendencies, he explores the specific properties of materials and deploys qualitative aspects as well as a process-oriented method of analysis to give them form. The different substances and textures of the amorphous bodies shimmer in nuanced shadows as Buggenhout seems to re-interpret the “sfumato”, that fluent transition from a light to a less light part of a surface that softens contours and—applied to sculpture—has an exponential effect on three-dimensional form. Buggenhout’s work ethic is one that oversteps boundaries. In 1990 he turned away from painting in order to apply himself exclusively to sculpture. He develops intimate conversation pieces and sculptural tableaux that in their abstract vocabulary and voluminous form have an autonomous and omnipresent effect. For “caterpillar logic”, his current exhibition at Kunstraum Dornbirn and his first presentation in Austria, Buggenhout has devised an in-situ installation that is an experience all its own. An organic sculpture, seemingly afloat and with a utopian-like dimension, invades a hidden sphere that then becomes tangible to the viewer at various levels of perception. Barbara Martin, Curator Peter Buggenhout war born in 1963 in Dendermonde, Belgium. He lives and works in Gent, Belgium. Finissage and presentation of the exhibition documentation: 7. November, 11am
Angela Glajcar FLASHBACK Press Preview Wednesday, 19 June 2024, 10:30 p.m. Opening Thursday, 20 June 2024, 7 p.m. Dance performance as part of the opening: ‘Sound Layers’, Mark Nowakowski and Jonas Marx (dance), Florian Betz (music), duration approx. 20 min. Video and short text further down on this page Artist Talk Friday, 21 June 2024, 2 p.m. Reiseziel Museum Sundays 10 a.m. – 5 p.m. on 7 July, 4 August and 1 September 2024 More information here After-Work Tours Thursdays, 19 September and 7 November 2024, both at 6 p.m. (in German) Concert: “mutual sounds” by Florian Betz 18 October 2024 at 7 p.m. Admission from 18:30 p.m., tickets 25 EUR at the box office, cash only no reservation necessary, free choice of seats and standing room, duration approx. 75 min. More information here Exhibition Duration 21 June – 1 December 2024 In the exhibition “FLASHBACK” Angela Glajcar’s two expansive installations “2009-072 Terforation” and “2019-043 Terforation” meet for the first time in the historic assembly hall of the Kunstraum Dornbirn, spanning a decade of artistic creation. The titles lead directly to placing the works in Glajcar’s œuvre: they were created in 2009 and 2019, bear in the catalogue raisonné the numbers 072 and 043 respectively, and are part of the series “Terforation”. Glajcar has been developing this series, very diverse and variable in form and dimensions, since 2006. In her text for the Dornbirn exhibition catalogue, Elisabeth von Samsonow says of the series title: “’Terforation’ is an artificial term coined by the artist to denote a specific element of her installation works.”[1] In the catalogue raisonné of 2013, Sasa Hanten explains that the term “is derived from “perforation” (Lat. foramen = “hole) on the one hand, i.e. the perforation of hollow or flat objects. On the other hand, the term established by Glajcar alludes to the Latin word for earth, “terra”, with which the artist refers to “terra incognita”, unknown land, vigin soil.”[2] The construction of the term is linked to the use of materials: Glajcar’s preferred material is paper, which is torn into shape in large sheets and added together in a staggered arrangement to form spatial structures. The work process is direct, physically demanding and time-consuming. Accumulated with the help of mechanical devices, the paper hangs in the room and the high grammages of up to 450 g/m2 give it a spatial-plastic presence and physicality. Glajcar opens the material through the torn edges. The fibre layering and interior direction becomes visible and the composition comprehensible. The addition of binders or fillers in the industrial manufacturing process does not occlude the plant-based fibres, which create the organic appearance of the paper and give the works a natural form that the series title underlines. Entering the big industrial hall at Dornbirn, we stand directly in front of the monumental work “2009-072 Terforation”, which was presented for the first time in 2009 at the Kunst Station St. Peter in Cologne. A large number of threaded sheets of paper hang ten metres long on a holder made of metal and plastic. They form a kind of wave that reaches four metres at its crest. Each sheet was processed by hand and punctured with a hole of different dimensions, which then runs like a tunnel-cavity through the body of paper. At the lowest hanging point of the installation, we are invited to enter through an opening and look inside. The outer edges of some sheets were torn and their rectilinear integrity was thus interrupted, giving the entire structure an additional ambivalent character hovering between contour and its dissolution. A determining factor in this immanent, highly aesthetic ambivalence is the light that shines on the reflective paper, the torn edges and into the interstices. Here the former industrial hall of Kunstraum Dornbirn offers a particularly attractive environment: the natural light, beaming through the large, all-round lattice windows and shaping the mood inside the building over the course of the day, allows the paper surfaces and sculptural bodies to enter into an exciting, constantly changing relationship with the space. The second work in the exhibition, “2019-043 Terforation”, was on display at the Sharjah Art Museum in 2019. With a length of 4.8 metres and a width of 4.6 metres, this installation offers a fundamentally different experience of form. Floating above the ground, it cannot be fully grasped in a single glance. The paper strips are lined up in several strands, forming curves or fans. Everything seems to spring from a single point and close in on itself; but this impression is repeatedly reduced to absurdity when we walk around the work and the form that just seemed closed now opens up and dissolves. Through the flowing forms, the torn edges and holes form a highly attractive contrast to the materiality. Glajcar’s works experiment with the relation to the space in which they are presented in an interplay of the construction and deconstruction of expansive forms. Her structures move, always determined by the point of view, between the spheres of the abstract and the representational, without ultimately committing themselves. They are characterised by the apparent lightness and poetic plasticity of paper and architecturally structured conception. Owing to the changing daylight, the viewer’s experience is always situational and unique: it is worth coming back. [1] von Samsonow, Elisabeth, “The (W)Hole. Perspectives on the body of ‘Terforation’ works in the œuvre of Angela Glajcar”, in Angela Glajcar. FLASHBACK, exhibit. cat., Kunstraum Dornbirn (Vienna: Verlag für moderne Kunst, forthcoming in autumn 2024). [2] Hanten, Sasa, “Œuvre”, in Angela Glajcar, ed. Sasa Hanten (Cologne: Wienand, 2013): 38. Biography Angela Glajcar (*1970, Mainz, Germany) studied sculpture at the Academy of Fine Arts in Nuremberg from 1991 to 1998. From 1998 to 2004, she taught there as well as at the Mainz University of Applied Sciences and Arts and the Universities of Giessen and Dortmund, and in 2007 and 2008 she was a visiting professor at the University of Giessen. Glajcar’s works have been shown in numerous solo and group exhibitions around the world, such as the Landesgalerie Niederösterreich in Krems (2023/2024), the Jeonbuk Museum of Art South Korea and the Haus des Papiers, Berlin (both 2021), the NMWA National Museum of Women in the Arts, Washington (2020), the Sharjah Art Museum (2019), Les3Cha centre d’art Châteaugiron (2018), the CODA Museum Apeldoorn (2017) and a permanent installation at the Museum Wiesbaden (since 2017).
Thierry Feuz Visual artist (painting, sculpture) Born in Vienna (AT), Nationality : Swiss / Austrian The paintings of Thierry Feuz (born in 1968 in Vienna, Austria) go a long way: from abstraction to imagination, from geometrical composition to biomorph evolution. The spectator will be drawn into a kaleidoscope of artistic viewpoints on the juxtapostion of microworlds and macrovisions. After Charles and Ray Eames’ groundbreaking movie “The Powers of 10” the fascination for the boundaries of the world defined by quarks and quasars has been unbroken. Whereas the Eames brothers were working on the borderline of art and science, calling themselves designers, the paintings of Feuz continue the legacy in an approach that fuses science and art in a new way. 1991 – 1998 - Université de Neuchâtel, Neuchâtel (CH) 1999 – 2003 - Study at Ecole Supérieure des Beaux-Arts, Geneva (CH) & Universität der Künste, Berlin (DE) 2003 – 2004 – Master of Arts. – University of Art and Design / Haute Ecole d’Art et de Design / HEAD, Geneva (CH) Lives and works in Geneva (CH) and Vienna (AT) Grants and Awards 2016 Fondazione Schiaredo, Barbengo, Lugano (CH) 2014 Fondazione Schiaredo, BarbengoLugano (CH) 2011 Atelier Visarte Schweiz, Cité des Arts, Paris (FR) 2006 Atelier de Neuchâtel, Berlin (DE) 2003/06 Atelier pour plasticiens de la Ville de Genève, Genève (CH) 2003 Prix Théodore Strawinsky (FR) 2003 Universität der Künste, Berlin (Klasse Marwan) (DE) 2001 Prix de la SAA – Prix du Musée des Beaux-Arts, Biennale de la Chaux-de-Fonds (CH) 1997 Atelier Le Corbusier, Cité des Arts, Paris (FR) Peintre, Genève Feuz has a philosophy of painting that works with scientific paradigms, both in form and content. He has an individual technique that allows the artist to define the limits of his expression himself, like the scientist who can see only as far as his technology is developed. His is a universal concern, where art, science and philosophy always meet. He addresses the big questions about the reason and structure behind existence. Whereas these intellectual topics have a long religious and academic background, Feuz’s style comes with a simple, elegant touch that was unheard-of in this territory. Without metaphoric ballast the paintings are able to develop their own syntax of balance and structure freely, exploring a grammar of colour and shape. The abstract work of the Technicolor series plays with the precarious equilibrium of layer and tones, the refined technique and subtle execution define the new horizons of a cosmos sought to be discovered. A dynamic spectrum of possibilities evolves from a seemingly static preset, a strong harmonic character of tonality suggests a deeper linkage to the pulsating rhythm of the basso ostinato of the universe. With our personal horizons and the physical universe expanding every second, Feuz’s decision to challenge the limitations of the canvas is a logical step. Their surrealist counterparts are approaching from the other side: bacteria and viruses are inhabiting a biotope of colour and shape, flowers and semen, dandelions and jellyfish celebrating the contradiction of evolution theory and metaphysics. The inherent structure of all entities – the crucial logic of the cycle of life, the beginning, the end. References to genetic experiments and magical mutations suggest an agnostic undertone, on the other hand the calmness, the underlying spirituality imply the agnostic wisdom of an alchemist at work. Whereas scientists have to use tele- and microscopes to get a different perspective on the world, Thierry Feuz presents the beauty of nature and life in a pure and poetic way. The two techniques complement each other perfectly and form a logical unit, a spiritual whole, a distinct artistic position. Or as the aforementioned Eames put it: “Eventually, everything connects.” Albert Allgaier Thierry Feuz – Voyage éternel vers la vérité intérieure Spleen et Idéal Les peintures et objets de Thierry Feuz représentent un voyage néobaroque dans un contexte de lumières postmodernes. Néobaroque parce qu’ils engendrent opulence, mouvement et émotions. Un voyage parce que leurs thématiques évoluent d’un univers étoilé et galactique sur fond de fleurs grandeur nature et de corolles surdimensionnées à des micro-cosmes et nano-univers. Postmoderne parce que leur concept artistique joue avec des éléments fragmentés et déconstruits de mémoire et de culture. Et finalement, héritiers des Lumières parce que leur rationalité orientée ouvrent le champ à des réalités nouvelles et complémentaires. Scènes Universelles La perfection et l’équilibre des compositions, l’audace et la qualité saisissante des combinaisons chromatiques, l’utilisation de peintures fortes et pures, la clarté et la précision des structures, le tracé élaboré des seuls éléments peints, l’absence de perspective classique comme la profondeur de champs obtenue par le floutage de quelques parcelles peintes sont inhérents dans tous les travaux de l’artiste. Oscillants entre abstraction et figuration, les images ne se prêtent pas à une narration directe mais à un espace ouvert à l’interprétation. Les couleurs vives explosent sur la toile comme des feux d’artifices générant dans certaines séries des formes biomorphiques, tandis que dans d’autres surgissent des lignes horizontales. La détonation de couleurs et les jeux psychédéliques de formes, de structures et de schémas confèrent aux images une qualité fascinante qui laisse une forte impression exempte, à première vue, de compréhension. Ces cinq dernières années, Thierry Feuz a développé des séries de peintures impressionnantes. La plupart des images offrent la lecture de fleurs, de natures mortes, de paysages, d’une foule de micro-organismes passés à la loupe, de schémas opulents et irréguliers - floral ou stellaire. Les peintures colorées de la série “Gulfstream”, en référence au courant chaud dans l’Atlantique, semblent être des morceaux de nature, des champs de fleurs enchantés ou des jardins tropicaux. Dans la même veine, la série “Psychotropical” examine de plus près la végétation, à l’image des petits groupes de plantes ou autres bouquets de fleurs. Elle exprime la folie, l’excès, l’incontrôlable et l’inconcevable pendant le flux, après la prise de drogues hallucinogènes. Dans “Atlas”, les plantes sont en général régulièrement distribuées sur la toile et rappellent une partie de schéma infini ou un réseau végétal prolifique. Les “Supernaturals” sont probablement des plans rapprochés de fleurs spécifiques et la représentation d’un monde artificiel. “Levantes” ressemble à des portraits de fleurs isolées au halo mystérieux. “Technicolors” est sur une série de peintures traversées par diverses bandes de couleur horizontales. L’ensemble procure l’impression d’un panorama mouvant. Comme un film couleur extrait d’une camera embarquée dans un tour fictif à travers le paysage, les compositions narrent une nouvelle où le spectaculaire a laissé place à la confusion et à l’incompréhension. Finalement, “Andromeda”, dernière série en date, avec ses fonds noirs et ses petits points blancs ou colorés, peut probablement être interprétée comme une vue du ciel en contre-plongée avec ses étoiles et ses planètes. Illusion Divine Pour créer ces peintures brillantes et lumineuses, Thierry Feuz a développé une pratique, un style et une technique qui lui sont propres. Il travaille avec de l’acrylique et de la laque en technique humide ce qui revient à appliquer de la peinture fluide sur une surface de base liquide. La toile doit être posée horizontalement sur une table afin qu’il puisse appliquer la laque monochrome. Par conséquent, il applique la plupart du temps une couche de base blanche, plus rarement noire ou d’une autre couleur éclatante. Dès le départ et avant que la peinture ne commence à sécher, il ajoute les autres couleurs sur la surface mouillée et commence à dessiner et à peindre avec des brosses, de petits bâtons, des peignes, des grattoirs, des couteaux, des sprays et des aérographes aussi bien qu’avec d’autres instruments et outils. Le grand défi consiste à garder une surface lisse et homogène tout en faisant coïncider la maîtrise et l’incontrôlable de ces peintures hautement fluides en une seule et même entité. Le soin et la précision sont indispensables parce qu’aucune place n’est laissée à la correction. Ce qui a été peint le restera à jamais. L’objectif est d’atteindre la perfection dans la combinaison graphique et chromatique avec un minimum d’intervention. Comme un chef d’orchestre dirige l’ensemble des musiciens pour reproduire un son parfait, Thierry Feuz combine la bonne quantité de peinture, le mouvement adéquat et le parfait positionnement tout en sachant que l’amalgame des couleurs répond à ses propres règles et dynamiques. Les couleurs se mélangent dans une diffusion aux qualités naturelles et indomptables dont la résonance chromatique, la vibration, le rythme et les tonalités harmonieuses en sont le résultat. De surcroît, l’artiste doit être dans une dimension particulière - une sorte de flux mental - pour mener à bien son travail artistique. Evolution et Révolution Aujourd’hui, Thierry Feuz est indéniablement un voyageur multiculturel dans le milieu de l’art avec un impressionnant curriculum tout en ayant élu domicile dans la ville cosmopolite de Genève. A l’université déjà, il prend part à plusieurs expositions, est lauréat de bourses et de prix, ainsi que le sujet de publications. L’artiste est né en 1968 à Vienne, ville baroque et prestigieuse, où il grandit et fait sa scolarité. Après des études académiques en Histoire de l‘art et Histoire dans la chaleureuse ville de Neuchâtel, il entreprend des études à la Haute Ecole d’Art et de Design (HEAD) de Genève dans la section Arts plastiques. Après s’être spécialisé en peinture, il effectue une année d’échange à l’Université des Arts dans la vibrante et dynamique métropole berlinoise et obtient son Master of Arts. Dissolution A première vue, les peintures réjouissantes de Thierry Feuz prennent pour thème la nature - en particulier les fleurs et les paysages - bien que les travaux oscillent entre figuration, ornementation et abstraction. Des pétales aux bouquets de fleurs, des parties de plantes aériennes aux microorganismes rampants, des firmaments aux paysages linéaires naissent toute une palette d’illustrations et d’allusions. Cependant, l’observateur attentif ne verra pas uniquement le jeu éclatant, brillant et ludique des couleurs et des formes ou des couches et des tons, mais expérimentera aussi des significations profondes et évocatrices. Peu à peu, la contradiction entre intellect et beauté superficielle disparaîtra. Thierry Feuz réunit des éléments classiques, médiévaux, baroques, impressionnistes, surréalistes et expressionnistes abstraits emprunt d’une philosophie bercée par l’air du temps postmoderne mais ancrée dans un mécanisme de pensée actuel. Les Fleurs du Mal Les fleurs et paysages dans la peinture de Thierry Feuz pourraient trouver leur origine historique dans les fresques latines avec leurs jardins et parcs idéaux ou dans l’élément architectural de l’arabesque, élément floral décoratif. Dans le même ordre d’idée succéderont le jardin du paradis - médiéval et religieux - d’un maître inconnu et les Bodegones baroques, spirituelles et significatives de Juan Sánchez-Cotán ou Juan van der Hamen y Leon. A l’instar de Claude Monet et ses nymphéas ou de Vincent van Gogh et ses tournesols, les impressionnistes déjà exprimaient des émotions à travers les fleurs. Les paysages surréalistes de Max Ernst évoquent d’ailleurs une similitude. Le plus grand nombre d’analogies se retrouvent cependant chez les expressionnistes abstraits. Les peintures contiennent l’énergie des action paintings et drippings de Jackson Pollock ou des nuages de Sam Francis, la contemplation des color fields de Marc Rothko ou des monochromes structurels d’Ellsworth Kelly, aussi bien que l’allusion dans les peintures d’histoire de Cy Twombly ou les paysages abstraits de Willem de Kooning. Ainsi, lorsque Thierry Feuz peint quelque chose de comparable à des fleurs et des jardins, il inclut tous ces sujets. Les peintures de l’artiste sont à la fois séduisantes et répulsives. En parlant de sa vie et de son travail, Thierry Feuz confesse “ Faire de l’art me permet de vivre avec plus de sensibilité mais cela me coûte aussi beaucoup d’énergie”. Pour l’observateur sensible, l’ambivalence contenue dans la peinture est aussi évidente que la cohérence de l’image splendide et poétique avec les thématiques existentielles: la beauté, l’amour et la mort, la décomposition de la vie et de la nature, le processus dramatique de création, de propagation et de déclin. Par le truchement d’une composition dynamique et en mettant l’ambiguïté à son service, l’art de Thierry Feuz - à l‘image des peintures baroques - exprime le pouvoir triomphant. L’artiste sonde et creuse la perception et la cognition du spectateur, brise les barrières en donnant du sens aux émotions profondes et aux sensations aussi bien qu’aux significations secrètes et cachées. Avec un dynamisme, une intensité et une immédiateté émotionnelles, il nous rappelle avec subtilité que l’art devrait émouvoir le spectateur sans être entièrement clair, l’art ne pouvant donner de réponses définitives, uniquement évoquer des dérèglements. Oliver Orest Tschirky, curateur indépendant & critique d’art, vit et travaille à Zurich, Suisse. Thierry Feuz (*1968, AU/CH) passe de l'abstraction à la figuration dans ses compositions aux audacieuses combinaisons chromatiques. Les couleurs fortes et pures sont emblématiques du travail de l'artiste. Ses peintures - dont les motifs floraux répétés jouent avec les codes de l'ornementation mauresque - relèvent notamment de la très actuelle tendance Néo-Rococo portée notamment par Rudolf Stingel et Christopher Wool. Inspiré par la nature jusque dans ses fameux "Technicolors" formés de bandes colorées horizontales peintes à la main et que l'on pourrait définir comme des paysages vus par une tourbillonnante toupie, il incorpore dans son travail le plus récent (exposé pour la première fois en Suisse chez Yet Projects), des bouts de bois, des touffes d'herbes et de buissons, donnant ainsi à ses œuvres un étrange sentiment de "tempête apaisée". Né en 1968 à Vienne, Autriche. Vit et travaille à Genève, Suisse. MA – University of Art and Design / Haute Ecole d’Art et de Design / HEAD, Geneva (CH) Study at Ecole Supérieure des Beaux-Arts, Geneva (CH) & Universität der Künste, Berlin (DE), 1999 – 2003 Université de Neuchâtel, Neuchâtel, 1991 – 1998, Prix, Bourses & Résidences 2011 Atelier Visarte Schweiz, Cité des Arts, Paris (F) 2006 Atelier de Neuchâtel, Berlin (DE) 2003/06 Atelier pour plasticiens de la Ville de Genève, Genève (CH) 2003 Prix Théodore Strawinsky (FR) 2001 Universität der Künste, Berlin (Klasse Marwan) (DE) Prix de la SAA – Prix du Musée des Beaux-Arts, Biennale de la Chaux-de-Fonds (CH) 1997 Atelier Le Corbusier, Cité des Arts, Paris (FR) Solo Shows 2017 « Rausch», Galerie Zetter bei der Albertina, Wien (AT) 2016 « Thierry Feuz », Galerie Lange + Pult, Auvernier (CH) 2016 « Recent paintings » Galleri Christoffer Egelund, Copenhagen (DK) 2015 « A Cosmology of Nature », Etienne Gallery, Oisterwijk (NL) 2014 « Karma », Johyun Gallery, Seoul (KR) 2014 « Xanadu », Galerie Lange + Pult, Auvernier (CH) 2014 « Thierry Feuz », Gerhard Braun Gallery, Palma de Mallorca (ES) 2014 « Instant Karma », Downtown Gallery, Busan (KR) 2014 « Volta NY », Gallery Christoffer Egelund, New York (US) 2013 « Cosmic Dust », Galleri Christoffer Egelund, Copenhagen (DK) 2013 « Thierry Feuz », Schaulager Galerie Feurstein, Feldkirch (AT) 2013 « Babylone », Rasson Art Gallery, Tournai (BE) 2013 « Atlas », Galerie Feurstein, Feldkirch (AT) 2012 « Silent Winds » Etienne Gallery, Oisterwijk (NL) 2012 « Motifs et reliefs de la couleur », (with Ien Lucas) Galerie La Ferronnerie, Paris (FR) 2012 « Thierry Feuz – Neue Bilder », Galerie Siegel Springmann, Freiburg im Breisgau (DE) 2011 « Thierry Feuz - Paintings & Sculptures », Galerie Lange + Pult, Zürich (CH) 2011 « Thierry Feuz – Paintings », Hyun Gallery, Changwon (KR) 2011 « Thierry Feuz – Paintings and Sculptures », Johyun Gallery, Seoul (KR) 2011 « Thierry Feuz » Johyun Gallery, Busan (KR) 2011 « Farbraum I », Schaulager Galerie Feurstein, Feldkirch (AT) 2010 « Substrat », Galerie Une, Auvernier (CH) 2010 « Beyond the hurricane » Galleri Christoffer Egelund, Kopenhagen (DK) 2010 « Thierry Feuz », Galerie Feurstein, Feldkirch (AT) 2010 « Feuz – Rembold » (with Marc Rembold), Jacana Gallery, Vancouver (CA) 2010 « Flowers », (with Crystel Ceresa), Galerie Laleh June, Basel, (CH) 2009 « Neue Arbeiten – Thierry Feuz », Schaulager Galerie Feurstein, Feldkirch (AT) 2009 « Into the Wild », Etienne Gallery, Oisterwijk (NL) 2009 « Monsoon », Samuel Freeman Gallery, Santa Monica, CA (US) 2009 « Microworlds and Macrovisions », Carbon 12 Gallery, Dubai (AE) 2008 « Thierry Feuz - Recent Work », Rosenbaum Contemporary, Boca Raton, FL (US) 2008 « Thierry Feuz » Galerie Une, Auvernier (CH) 2008 « Rausch » Galerie Feurstein, Feldkirch (AT) 2008 « Second Nature », Jacana Gallery, Vancouver (CA) 2008 « Pushing Daisies », Galleri Christoffer Egelund, Kopenhagen (DK) 2008 « Radiant Days » Etienne Gallery, Oisterwijk (NL) 2007 « El Dorado », LIMN Gallery, San Fransisco (US) 2007 « Thierry Feuz - Second Nature », Rosenbaum Contemporary, Boca Raton, FL (US) 2007 « Oasis », Jacana Gallery, Vancouver (CA) 2007 « Mirages », Galerie Kashya Hildebrand, Zürich (CH) 2006 « Everglades – Recent paintings », Kashya Hildebrand Gallery, New York (US) 2006 « Psychotropical », Galerie Jérôme Ladiray, Rouen (FR) 2006 « Equateur », Galerie Une, Auvernier (CH) 2006 « Thierry Feuz - Supernatural », National Academy of Sciences, Washington, D.C. (US) 2005 « Gulfstream », Kashya Hildebrand Gallery, New York (US) 2005 « Closer than paradise », Galerie Kashya Hildebrand, Zürich (CH) 2004 « Thierry Feuz », Galerie Une, Auvernier (CH) 2003 « Thierry Feuz - Psychotropical », Kashya Hildebrand Gallery, New York (US) 2003 « Psychotropical », Galerie Une, Neuchâtel (CH) 2001 « Hyper Naturel », Galerie Une, Neuchâtel (CH) Group shows (selection) 2016 « SPRAY », Opéra Gallery, Genève (CH) 2016 « Xmas16 », Galleri Christoffer Egelund, Copenhagen (DK) 2016 « Aux sources de l’inspiration », Fondation Arnaud, Lens (CH) 2016 « Un certain regard », Galerie Varenne, Genève (CH) 2015 « Un regard sur la collection », Musée d’Art et d’Histoire, Neuchâtel (CH) 2015 « Xmas15 », Galleri Christoffer Egelund, Copenhagen (DK) 2015 « Outremer », Fonderie, Usine Kugler, Genève (CH) 2015 « Plastic Days », Museo Fico, Torino (IT) 2015 « Farbenwahnsinn », Galerie Feurstein, Feldkirch (AT) 2015 « Take me to the sun », Laurent Marthaler Contemporary, Montreux (CH) 2015 « Opposition des paradigmes », Laurent Marthaler Contemporary, Montreux (CH) 2015 « Summertime’15", Galleri Christoffer Egelund, Copenhagen (DK) 2015 « Show Chaud », Galerie Lange + Pult, Auvernier (CH) 2015 « Map of the New Art », Fondazione Giorgio Cini, Venezia (IT) 2014 « Neugierig », Galerie Feurstein, Feldkirch (AT) 2014 « Paintings & Sculptures », Galerie Lange + Pult, Zürich (CH) 2014 « Neuheiten im Frühling », Galerie an der Albertina, Wien (AT) 2014 « Summertime’14", Galleri Christoffer Egelund, Copenhagen (DK) 2014 « Psychotropical - New Paintings », Etienne Gallery, Oisterwijk (NL) 2014 « Utopie Picturale 2 », Fonderie Kugler, Genève (CH) 2014 « S.P.R.A.Y. - painting now », Galerie Laurent Marthaler, Montreux (CH) 2014 « S.P.R.A.Y », Galerie Artvera’s, Geneva (CH) 2014 « Farbkörper – Bildobjekte », Galerie Feurstein, Feldkirch (AT) 2013 « Hotchpotch », Galleri Christoffer Egelund, Copenhagen (DK) 2013 « 7 chez Varenne », Galerie Daniel Varenne, Genève (CH) 2013 « Flowers », Etienne Gallery, Oisterwijk (NL) 2013 « La beauté sauvera le monde (du Greco à Richter) », Musée des Beaux-Arts, Tournai (BE) 2013 Melissa Morgan Fine Art Gallery, Palm Desert, CA (US) 2013 « Kunststücke 2013, Galerie Feurstein, Feldkirch (AT) 2013 « Frühling übt sich », Galerie Mera, Schaffhausen (CH) 2013 « Utopie picturale », Villa Dutoit, Genève (CH) 2012 « Iles au trésor », Galerie La Ferronnerie, Paris (FR) 2012 « Yet Projects », Yet Projects, Genève (CH) 2012 « Xmas », Galleri Christoffer Egelund, Copenhagen (DK) 2012 « Cosmotopia », BAC, Bâtiment d’art contemporain, Genève (CH) 2012 « Gallery Collection », Johyun Gallery, Busan (KR) 2012 « Summer special exhibition », Lausberg Contemporary, Toronto (CA) 2012 « Les annales de la Galerie Une », Galerie Une, Auvernier (CH) 2012 « Summer show », Johyun Gallery, Seoul (KR) 2012 Rasson Art Gallery, Tournai (BE) 2012 « Summertime » Galleri Christoffer Egelund, Kopenhagen (DK) 2012 Galerie Pierrick Touchefeu, Sceaux (FR) 2011 « Thierry Feuz – Günther Holder – Willi Kopf », Galerie Feurstein, Feldkirch (AT) 2011 « Xmas », Galleri Christoffer Egelund, Kopenhagen (DK) 2011 « Little Absurdities » -TINA B. - The Prague ContemporaryArt Festival, Prague (CZ) 2011 « Résonnances – Dissonnances » Villa Dutoit, Genève (CH) 2011 « Murs Exquis », Art en Ile, Genève (CH) 2011 « Group show » Galerie Pierrick Touchefeu, Sceaux (FR) 2011 « A celebration of Colors », Jacana Gallery, Vancouver (CA) 2011 « Farbkörper », Galerie Feurstein, Feldkirch (AT) 2010 « Xmas », Galleri Christoffer Egelund, Kopenhagen (DK) 2010 « Papier », Galerie Feurstein, Feldkirch (AT) 2010 « Summer show », Joyhun Gallery, Seoul (KR) 2010 « Dessins à perte de vue », Halle Nord, Geneva (CH) 2010 Etienne Gallery, Osterwijk (NL) 2009 Galerie Jérôme Ladiray, Rouen (FR) 2009 « WALL – TABLE – CHAIR », Galerie Kenworthy-Ball, Lange + Pult, Zürich (CH) 2009 « Best of Lausberg Contemporary » Lausberg Contemporary, Toronto, (CA) 2009 « Aquisitions 2008-2009 - La collection de la Poste suisse », PROGR, Bern (CH) 2009 « Lost Paradise », Espace Cheminée Nord, Genève (CH) 2009 « Summer abstractions », LIMN Gallery, San Francisco (US) 2009 « Kunst – Stücke », Galerie Feurstein, Feldkirch (AT) 2009 « Floating details », La Pinacotèque, Genève (CH) 2009 « Donation Jeunet - Aquisition 2003-2009 », Musée d’Art et d’Histoire, Neuchâtel (CH) 2009 « Summertime » Galleri Christoffer Egelund, Kopenhagen (DK) 2009 « Flower Power », Centro Ricerca Arte Attuale Villa Guilia, Verbania (IT) 2009 « MIX » Jacana Contemporary Art, Vancouver, (CA) 2008 « Sneak preview », Carbon12 Gallery, Dubai (AE) 2008 « All colors in mind », Rosenbaum Contemporary, Boca Raton, Florida (US) 2008 « Summertime », Galleri Christoffer Egelund, Kopenhagen (DK) 2008 « Schaulager – Lagerschau », Galerie Guenter Feurstein, Feldkirch (AT) 2008 « Botanical transforms », Vejle Kunstmuseum, Vejle (DK) 2008 « Blackout », Art en Ile, Genève (CH) 2007 « Xmas », Galleri Christoffer Egelund, Kopenhagen (DK) 2007 « Bestial », Espace Arlaud, Lausanne (CH) 2007 « Summer reflections 2007 », Rosenbaum Contemporary, Boca Raton (US) 2007 « Summershow », Galleri Christoffer Egelund, Kopenhagen (DK) 2007 « Swissmade », Kunstraum Wedding, Berlin (DE) 2007 « Group show », Etienne & Van den Doel, Oisterwijck (NL) 2007 « Da Capo », Lausberg Contemporary, Toronto (CA) 2007 « PINK », Arena1 Gallery, Santa Monica (US) 2006 « Xmas », Galleri Christoffer Egelund, Kopenhagen (DK) 2006 « Fire and Ice », Rosenbaum Contemporary, Boca Raton (US) 2006 « Here we go », Galerie Une, Auvernier (CH) 2006 « Kaléidoscopique », Villa Dutoit, Genève (CH) 2005 « Finissage », Galerie Kashya Hildebrand, Genève (CH) 2005 « About flowers », Galerie Elisabeth Staffelbach, Aarau (CH) 2005 « Shining stars for a shining art », Galerie Une, Auvernier (CH) 2005 « After Nature », Aeroplastics Contemporary, Bruxelles (BE) 2005 « Théodore Stravinsky et l’art contemporain », Atelier Picasso, CNES, Paris (FR) 2005 « Invito », Galerie Une, Lugano (CH) 2005 « Lines and curves », LIMN Gallery, San Francisco (US) 2004 « Wonderland », Galerie artone, Zürich (CH) 2004 « 10 artistes neuchâtelois contemporains», Musée des Beaux-Arts, La Chaux-de-Fonds (CH) 2004 « Jet d'eau », Kunsthalle Palazzo, Liestal (CH) 2004 « Spectrum », Galerie Kashya Hildebrand , Genève (CH) 2004 « Heaven’s gonna burn your eyes », Cartelle Gallery, Los Angeles (US) 2004 « Solaris », Kashya Hildebrand Gallery, New York(US) 2004 « Swiss Art Awards », Halle 3, Messe, Basel (CH) 2004 « LASKO, un panorama du wall painting en Suisse », Centre d'art, Neuchâtel (CH) 2004 « Question de couleurs », bh9, Genève (CH) 2003 « Donation Jeunet, une collection d’art contemporain » Musée d'Art et d'Histoire, Neuchâtel (CH) 2003 « 66è Biennale de la SAA », Musée des Beaux-Arts, La Chaux-de-Fonds (CH) 2003 « Objectif Une », Galerie Une, Auvernier (CH) 2003 Galerie artone, Zürich (CH) 2003 « Swiss Art Awards », Halle 3, Messe, Basel (CH) Bibliography / Press (selection) 2014 Severine Cattin, « Quand l’alchimie règne en maître », in, L’Express-L’Impartial, 13.10.2014, Neuchâtel 2014 Jenny Do, « Collectif SPRAY », in TRIBU Magazine 3 « Men of Art », pp.71-88, June 2014, Geneva 2014 Nils Dupont, « De droites Lignes à grands coup de pinçeaux », in GoOut !, Feb 2014, Geneva 2012 Simone Simon, « Devergezichten van Thierry Feuz » in Tableau-Fine Arts Magazine, pp.94-99, Amsterdam 2010 Lorette Cohen, « Mouvements Irrationnels », in Supplément Arts, Le Temps, 17 nov. 2010 2009 Lorette Cohen, « Usine à image », in Le Temps, octobre, 2009 2009 Roberta Carretta, « Il regno di Flora », in Flower Power, Andrea Busto, Silvana Editoriale SPA, Milano 2009 Christopher Lord, « Within you without you », in Time Out Dubai, March 19-26 2009, Dubai 2009 Farrah Pochkahanawala, « Reality Check Carbon12 goes abstract » in Kaleej Times - W. review, 13. 03. 2009, Dubai 2009 Shweta Parida, « Interview with Swiss artist Thierry Feuz at the opening of his exhibition at Carbon 12 Gallery » in DE51GN, Art Profile, 11 March 2009, Dubai 2008 Dominique Bossard, « Des gâteaux qui auraient fondu au soleil », in L’Express, 17 septembre 2008, Neuchâtel 2008 Marie Kirkegaard, « The visible / invisible stratum of reality », in Pushing Daisies, Cat. Galleri Egelund, April 08, Copenhagen 2006 Sophie Bourquin, « L’alchimiste du minuscule », in L’Express, 19 octobre 2006, Neuchâtel 2006 JD Talasek, « Supernatural, paintings by Thierry Feuz, in Washingtonian, october 2006, Washington DC 2005 Gautier Huber, « News aus Neuenburg », in Kunstbulletin, 1/2.2005 2004 Gregoire Praz, « Lasko, un panorama du wall painting en Suisse , » in Art Press, pp.76-77, sept. 2004, Paris Edmond Charrière, « A l’aune de Pierre-Eugène Bouvier - Dix artistes neuchâtelois contemporains, Catalogue d’exposition, Musée des Beaux-Arts de la Chaux-de-Fonds, Ed. Virages, Neuchâtel 2004 Nadia Lutz, « Freipass für genfer Künstler ; Jet d’eau » in Basler Zeitung, 30 août 2004 2003 Phedra Jost, « Psychotropical, Malereien von Thierry Feuz », in Helvetissimo d., mars-avril 2003 2003 Walter Tschopp, « Rigueur et liberté » in Donation Jeunet, une collection d’art contemporain, Catalogue d’exposition, Ed. Musée d’art et d’histoire de Neuchâtel 2003 Sonia Graf, « Biennale : La jeunesse et la figure humaine donnent le ton », in L’Impartial, 3.12. 2003 2003 Marino Buscaglia, « A propos de Technicolor total panorama 1 » in 66è Biennale de la Société des amis du Musée des beaux-arts de la Chaux-de-Fonds, Catalogue d’exposition, La Chaux-de-Fonds 2003 Nicole Rudick, « Psychotropical » Catalogue d’exposition, Kashya Hildebrand Gallery, New York 2001 Christian Sester, « Thierry Feuz », in Etats d’art, bulletin de la Société des amis des arts de la Chaux-de-Fonds, La Chaux-de-Fonds Public and corporate collections Pizzuti Collection, Columbus Ohio (US) Musée d’Art et d’Histoire, Neuchâtel (CH) Fonds Municipal d’Art Contemporain, Genève (CH) Veijle Kunstmuseum, Veijle, (DK) Singapore Art Foundation, Singapore (SG) Musée de la Communication, Bern (CH) Museo Ettore Fico, Torino (IT) Sal. Oppenheim Collection, Zürich (CH) Donation Jeunet, Neuchâtel (CH) Hopital communal du Locle, Le Locle (CH) Wellington Management Company Collection, London (GB) ASP Consulting, Wien (AT) Crédit Suisse, Zürich (CH) NufNuf Art Foundation, Genève (CH) Computer Associates, New York (US) Bank Julius Bär, Basel (CH) KBL (Switzerland) LTD, Geneva (CH) Saks Fifth Avenue Enterprises, New York (US) Mediterranean Bank Plc, Valetta (MT) Nordea, Copenhagen, (DK) Lego Group, Billund, (DK) Winterthur Assurance, Lausanne (CH) Crédit Agricole, Neuchâtel (CH) Crédit Suisse, Basel (CH) Clariden Leu, Zürich (CH) UBS, Genève (CH) UBS, Bex & Porrentruy (CH)
