En la década de 1870 cuando el comercio con Japón se abrió, artistas occidentales fueron introducidos a los trabajos de Hokusai y Hiroshige, quien compuso escenas de la vida cotidiana sobre fondos de paisajes japoneses famosos. En los Estados Unidos, los más influyentes escritores y maestros de este nuevo estilo fueron Arthur Dow (1857-1922) en la costa este y Pedro de Lemos (1882-1954) y Morley Fletcher (1866-1949) en la costa oeste. Dos hermanas de Frances Gearhart estudiaron aparentemente con Dow. Morley Fletcher, quien había publicado un libro importante sobre la impresión en madera ( xilografía ) en 1916 en Londres, se trasladó a Santa Barbara, California, en 1923. Frances tomó una clase de verano con él poco después de su llegada. En aquel momento Pedro de Lemos que había estudiado con Arthur Dow organizó una exposición de grabado de California en el Panama-Pacific International Exhibition en San Francisco. Esta importante exposición de arte incluye un gran número de las estampas japonesas, así como el trabajo de Dow y otros artistas de la costa este. Pero como Ms Dailey también señala en su reciente ensayo "Frances Gearhart y el desarrollo de artístico grabado en California" había incluso anteriores muestras en California de xilografías japonesas en color que Frances Gearhart probablemente había visto. Frances H. Gearhart - 1900 - foto de la graduación en La universidad de California - Berkeley Frances Hammell Gearhart nació en Sagetown (más adelante Gladstone), Illinois, el 04 de enero de 1869, era la mayor de tres hijas. Sus hermanas, May Gearhart (1872-1951) y Edna Gearhart (1879-1974), fueron también artistas, pero el trabajo de Frances, particularmente sus impresiones en xilografías y linóleos en color de los paisajes de California son mucho más conocidas y buscadas. Ella está considerada una pionera de los grabadores de color en los Estados Unidos. Su familia se trasladó a Pasadena, California, en 1888, cuando Frances tenía alrededor de 19-20 años de edad fue a la escuela Normal del estado (ahora UCLA), y después de graduarse en 1891 trabajó como maestra de escuela primaria por varios años. Después de obtener un título avanzado de Berkeley en 1900, obtuvo un puesto como profesora de Inglés de la historia en el sistema de high school de Los Angeles, donde permaneció hasta su retiro en 1922 en la edad 53 para dedicarse a tiempo completo a su arte. Sus hermanas también fueron maestros en Los Angeles, pero a diferencia de Frances enseñaron arte. May se convirtió en Supervisor de arte para las escuelas de la ciudad de Los Angeles a partir de 1903-1939. Frances y sus dos hermanas nunca se casaron y continuaron viviendo juntas en Pasadena por el resto de sus vidas. Frances Gearhart era en gran medida autodidacta excepto varios veranos entre 1905-1910 cuando estudió con Charles H. Woodbury en Maine y Henry R. Poore en Connecticut. Inicialmente se especializó en acuarelas de paisajes de California y en 1911, tuvo su primera exposición de la galería en Los Ángeles. Entre 1911-1914 realizó más exposiciones que fueron vistas favorablemente por los críticos de arte de Los Angeles y continuó haciendo acuarelas durante muchos años. Pero este trabajo no la hizo sobresalir. En cambio, entre 1916 y 1919 que empezó a perfeccionar sus habilidades en el medio de impresiones, usando bloques de madera para xilografías y bloques de linóleo. De los dos, ella tendió a favorecer a los bloques de linóleo. A diferencia de los grabados que están hechos de placas de metal en que se han cortado las líneas en la superficie, se cortan las partes que no deben imprimir usando cincel. Gearhart empleó la técnica japonesa exigente y difícil de impresión que requiere el uso de un bloque separado tallado para cada color. Ella utiliza la pintura al óleo como tinta y aplica la tinta a los bloques con un pincel seco Ella también siguió el estilo japonés de la utilización de un bloque clave que encerraba ela mayoría del diseño y las fronteras, sobre todo negras, pero a veces azul. Manualmente cada tirada de impresión era por separado para cada bloque de color y para el bloque clave, cada una de las impresiones finales de la misma imagen, ( generalmente llegó a lo más 50), pueden ser ligeramente diferentes. Silueta de Frances Gearhart recortada por Orpha Klinker En 1919 Frances Gearhart se unió a la sociedad de fabricantes impresión de California, y siete de impresiones se había mostraron en la exposición anual de la sociedad. Bien recibida por los críticos, luego fue reconocida como uno de los más originales y calificados artistas en los Estados Unidos. Además de otras exposiciones, Gearhart continuó mostrando su trabajo en la exposición anual de primavera de la sociedad hasta 1938. Ella también sirvió como Secretaria y Tesorera de la organización y había editado su boletín mensual durante varios años. De hecho, su estudio en la 18 calle de California en Pasadena se convirtió en la sede de la sociedad de fabricantes impresión de California. Poco después de que ella desarrolló su experiencia en impresiones, Gearhart se retiró de la docencia y abrió una galería de arte pegada a su estudio. En 1923, ella y su hermana May, hicieron una exposición conjunta en el Museo de arte del Condado de Los Angeles. El Smithsonian incluyó ejemplos de su trabajo en exposiciones en 1924 y 1928. La Federación Americana de Artes organizó una exposición nacional itinerantede sus trabajos en 1930. Alrededor de ese tiempo también fue incluida en exposiciones en el Museo de Brooklyn y en el Instituto Americano de artes gráficas. Desafortunadamente, debido a su defectuosa vista, tuvo que detener sus grabadoa alrededor de 1940. Falleció en 1959 La mayoría de las impresiones de Gearhart retratan paisajes espectaculares de la Sierra, la costa del Pacífico y el área alrededor de Big Bear Lake en California, donde tenía una casa de vacaciones. Hay una profundidad en sus composiciones que no se ve a menudo en grabados en madera o linóleo. Gearhart captura cada temporada, así como la transición entre las estaciones, especialmente de otoño a invierno y el invierno a la primavera. Le gustaba dibujar riscos de la montaña con y sin cubierta de nieve. Además, ella tenía una afinidad por los árboles y plantaciones de eucaliptos, pinos, robles y cipreses de Monterrey junto a las entradas de mar y lagos de montaña. En otras ocasiones se volvió a valles y cañones con maravillosos matices y colores de la tierra para transmitir la belleza de este paisaje. También produjo una pequeña serie de paisajes desérticos y una pequeña serie de imágenes florales .Gearhart obviamente amaba el paisaje de California. Ella representa no sólo la belleza del paisaje, como cualquier artista superior, ella también lo interpreta. Actualmente, las impresiones de bloque de color de Frances Gearhart están en gran demanda, y su obra se encuentra en las colecciones permanentes de varios museos, incluyendo el Los Angeles County Museum of Fine Art, los museos de Bellas Artes de San Francisco, la biblioteca del Congreso, el Smithsonian American Art Museum, the Art Institute de Chicago, el Museo de arte de Cleveland, el Museo de arte de Saint Louis, Museo de Artes de la Universidad de Cornell y la galería de USC Fisher Johnson. Más recientemente, una gran exposición de sus trabajos fue montada en el Pasadena Museum of California Art ( 4 de octubre 2010 ). Un excelente Catálogo mostrando las muestras en la exposición y que contiene varios ensayos académicos fue publicado por el Museo y editado por Susan Futterman, quien junto a Roger Genser fueronco-comisariados para la exposición. -------------
En la década de 1870 cuando el comercio con Japón se abrió, artistas occidentales fueron introducidos a los trabajos de Hokusai y Hiroshige, quien compuso escenas de la vida cotidiana sobre fondos de paisajes japoneses famosos. En los Estados Unidos, los más influyentes escritores y maestros de este nuevo estilo fueron Arthur Dow (1857-1922) en la costa este y Pedro de Lemos (1882-1954) y Morley Fletcher (1866-1949) en la costa oeste. Dos hermanas de Frances Gearhart estudiaron aparentemente con Dow. Morley Fletcher, quien había publicado un libro importante sobre la impresión en madera ( xilografía ) en 1916 en Londres, se trasladó a Santa Barbara, California, en 1923. Frances tomó una clase de verano con él poco después de su llegada. En aquel momento Pedro de Lemos que había estudiado con Arthur Dow organizó una exposición de grabado de California en el Panama-Pacific International Exhibition en San Francisco. Esta importante exposición de arte incluye un gran número de las estampas japonesas, así como el trabajo de Dow y otros artistas de la costa este. Pero como Ms Dailey también señala en su reciente ensayo "Frances Gearhart y el desarrollo de artístico grabado en California" había incluso anteriores muestras en California de xilografías japonesas en color que Frances Gearhart probablemente había visto. Frances H. Gearhart - 1900 - foto de la graduación en La universidad de California - Berkeley Frances Hammell Gearhart nació en Sagetown (más adelante Gladstone), Illinois, el 04 de enero de 1869, era la mayor de tres hijas. Sus hermanas, May Gearhart (1872-1951) y Edna Gearhart (1879-1974), fueron también artistas, pero el trabajo de Frances, particularmente sus impresiones en xilografías y linóleos en color de los paisajes de California son mucho más conocidas y buscadas. Ella está considerada una pionera de los grabadores de color en los Estados Unidos. Su familia se trasladó a Pasadena, California, en 1888, cuando Frances tenía alrededor de 19-20 años de edad fue a la escuela Normal del estado (ahora UCLA), y después de graduarse en 1891 trabajó como maestra de escuela primaria por varios años. Después de obtener un título avanzado de Berkeley en 1900, obtuvo un puesto como profesora de Inglés de la historia en el sistema de high school de Los Angeles, donde permaneció hasta su retiro en 1922 en la edad 53 para dedicarse a tiempo completo a su arte. Sus hermanas también fueron maestros en Los Angeles, pero a diferencia de Frances enseñaron arte. May se convirtió en Supervisor de arte para las escuelas de la ciudad de Los Angeles a partir de 1903-1939. Frances y sus dos hermanas nunca se casaron y continuaron viviendo juntas en Pasadena por el resto de sus vidas. Frances Gearhart era en gran medida autodidacta excepto varios veranos entre 1905-1910 cuando estudió con Charles H. Woodbury en Maine y Henry R. Poore en Connecticut. Inicialmente se especializó en acuarelas de paisajes de California y en 1911, tuvo su primera exposición de la galería en Los Ángeles. Entre 1911-1914 realizó más exposiciones que fueron vistas favorablemente por los críticos de arte de Los Angeles y continuó haciendo acuarelas durante muchos años. Pero este trabajo no la hizo sobresalir. En cambio, entre 1916 y 1919 que empezó a perfeccionar sus habilidades en el medio de impresiones, usando bloques de madera para xilografías y bloques de linóleo. De los dos, ella tendió a favorecer a los bloques de linóleo. A diferencia de los grabados que están hechos de placas de metal en que se han cortado las líneas en la superficie, se cortan las partes que no deben imprimir usando cincel. Gearhart empleó la técnica japonesa exigente y difícil de impresión que requiere el uso de un bloque separado tallado para cada color. Ella utiliza la pintura al óleo como tinta y aplica la tinta a los bloques con un pincel seco Ella también siguió el estilo japonés de la utilización de un bloque clave que encerraba ela mayoría del diseño y las fronteras, sobre todo negras, pero a veces azul. Manualmente cada tirada de impresión era por separado para cada bloque de color y para el bloque clave, cada una de las impresiones finales de la misma imagen, ( generalmente llegó a lo más 50), pueden ser ligeramente diferentes. Silueta de Frances Gearhart recortada por Orpha Klinker En 1919 Frances Gearhart se unió a la sociedad de fabricantes impresión de California, y siete de impresiones se había mostraron en la exposición anual de la sociedad. Bien recibida por los críticos, luego fue reconocida como uno de los más originales y calificados artistas en los Estados Unidos. Además de otras exposiciones, Gearhart continuó mostrando su trabajo en la exposición anual de primavera de la sociedad hasta 1938. Ella también sirvió como Secretaria y Tesorera de la organización y había editado su boletín mensual durante varios años. De hecho, su estudio en la 18 calle de California en Pasadena se convirtió en la sede de la sociedad de fabricantes impresión de California. Poco después de que ella desarrolló su experiencia en impresiones, Gearhart se retiró de la docencia y abrió una galería de arte pegada a su estudio. En 1923, ella y su hermana May, hicieron una exposición conjunta en el Museo de arte del Condado de Los Angeles. El Smithsonian incluyó ejemplos de su trabajo en exposiciones en 1924 y 1928. La Federación Americana de Artes organizó una exposición nacional itinerantede sus trabajos en 1930. Alrededor de ese tiempo también fue incluida en exposiciones en el Museo de Brooklyn y en el Instituto Americano de artes gráficas. Desafortunadamente, debido a su defectuosa vista, tuvo que detener sus grabadoa alrededor de 1940. Falleció en 1959 La mayoría de las impresiones de Gearhart retratan paisajes espectaculares de la Sierra, la costa del Pacífico y el área alrededor de Big Bear Lake en California, donde tenía una casa de vacaciones. Hay una profundidad en sus composiciones que no se ve a menudo en grabados en madera o linóleo. Gearhart captura cada temporada, así como la transición entre las estaciones, especialmente de otoño a invierno y el invierno a la primavera. Le gustaba dibujar riscos de la montaña con y sin cubierta de nieve. Además, ella tenía una afinidad por los árboles y plantaciones de eucaliptos, pinos, robles y cipreses de Monterrey junto a las entradas de mar y lagos de montaña. En otras ocasiones se volvió a valles y cañones con maravillosos matices y colores de la tierra para transmitir la belleza de este paisaje. También produjo una pequeña serie de paisajes desérticos y una pequeña serie de imágenes florales .Gearhart obviamente amaba el paisaje de California. Ella representa no sólo la belleza del paisaje, como cualquier artista superior, ella también lo interpreta. Actualmente, las impresiones de bloque de color de Frances Gearhart están en gran demanda, y su obra se encuentra en las colecciones permanentes de varios museos, incluyendo el Los Angeles County Museum of Fine Art, los museos de Bellas Artes de San Francisco, la biblioteca del Congreso, el Smithsonian American Art Museum, the Art Institute de Chicago, el Museo de arte de Cleveland, el Museo de arte de Saint Louis, Museo de Artes de la Universidad de Cornell y la galería de USC Fisher Johnson. Más recientemente, una gran exposición de sus trabajos fue montada en el Pasadena Museum of California Art ( 4 de octubre 2010 ). Un excelente Catálogo mostrando las muestras en la exposición y que contiene varios ensayos académicos fue publicado por el Museo y editado por Susan Futterman, quien junto a Roger Genser fueronco-comisariados para la exposición. -------------
Pablo Picasso, Linoleum Cuts, 1962, Grabados Al Linoleo, Linocut, Surrealism, Spanish Artist, Rare Image An image produced during the lifetime of Pablo Picasso. Publication: Grabados Al Lineoleo Number 103 in an edition of 520. Title: Las banderillas (grande) The banderillas (large) Linoleum cut colored image on high quality paper . Very limited edition by publisher. Image size: 13 x 10 ½ inches on paper 15 ½ x 12 ½ inches. The image is in mint condition. ITEM IS NOT MATTED OR FRAMED.
Munakata Shiko (1903-1975) “Goddess,” woodblock print, 1957
By: Sella Hasse aka Tochter von Emma Schmidt Type: Woodcut Year: <1963
Image posted with the permission of the artist. More about Kathleen Neeley can be found online at her Etsy Store, Flickr, and Twitter. Elephantine foliage slouch and wave against the smoke from the fire. Smoke rises up to a two-toned moon and starless night sky. Creeping bark and pebbled shadows follow suit, scurrying upward. It is as if they were cockroaches suddenly exposed in the light, and the moon were a crack in the wall and their only means of escape. Tree roots jut out from under a leaf like a pair of naked legs. Their ambulatory form is echoed over and over again, for there are many pairs of long limbs in this scene. And speaking of pairs, in the foreground, two jungle-shrubs fan out, startled, like black hands of a startled monster who was just passing by. It is curious, the way the solitary figure sits - perhaps in meditation - at the dramatically vaporous fire while a collection of nocturnal beasties bear witness to her vigil. Even the rocks seem attentive and eager to join the crowd of nightalls. Logic suggests they are drawn by the warmth, yet I'm convinced this is the coolest place in the entire forest.
Los artistas del grupo DIE BRÜCKE- EL PUENTE- hicieron de la xilografía el centro de su actividad, iniciando así el renacimiento de esta téc...
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This was when my endeavor to bring awareness to the issue of homelessness on the streets of San Diego became my passion project.
Fairy tales of Hans Andersen (1908) illustrated by Helen Stratton 'The Queen of the Glaciers'
Libros – Ilustraciones – Grabados – Ciencia – Historia – Rarezas - Curiosidades Y algunas otras cosas más
http://www.edvardmunch.org/ http://www.edvard-munch.com/gallery/index.htm Junto al lecho de muerte por fiebre. 1893 Los despojos mortales. 1894 El lecho de muerte. 1895 Muerte en la habitación del enfermo. 1894 Muerte en la habitación del enfermo. 1896 La madre muerta y el niño. 1897 Junto al lecho de muerte por fiebre. 1915 El niño ahogado. 1908 El niño enfermo. 1885 Los cuatro hijos del Dr. Linde. 1903 Niño en la calle. 1915 Chica encendiendo una estufa. 1883 Muchacha que se peina el pelo. 1892 Chica en la playa. 1896 El muchacho enfermo. 1896 Muchacha lavando. 1896 Muchachas en el puente. 1901 Cuatro muchachas en Asgardstrand. 1902 Dos chicas de la Reinhardt Frieze. 1906 Ojo en el ojo. 1894 Celos. 1895 Atracción. 1896 El beso. 1897 El beso. 1897-Xilografía Las personas. Los únicos solitarios. 1899 Hombre y mujer. 1905 Pareja en la orilla de la Reinhardt Frieze. 1906 Hombre y mujer II, 1912 10 Hacia el bosque. II. 1915 Los únicos solitarios. 1935 La ruleta I. 1892 En la ruleta. c. 1892 La banda militar en la calle Karl Johan. 1889 Rue Lafayette. 1891 Tomando el café en la mesa. 1883 La boda del bohemio. Munch sentado en el extremo izquierdo. 1925 Las damas en el puente. 1903 Jurisprudencia. 1887 La danza de la vida. 1899 Inger en la costa en noche de verano. 1889 La voz. 1893 Melancolía del atardecer I. 1896 Fertilidad II. 1902 Junto a la ventana. 1940
Suelo vinílico en rollo modelo Columb con base de fieltro. Fabricado en PVC imitación madera de color roble natural. Los motivos se repiten cada 150 cm. Linóleo comercial indicado para lugares de mucho paso. Es compatible con habitaciones húmedas y suelo radiante a baja temperatura. Apto para baño. Es resistente al punzonamiento -norma EN ISO 24343-1 (EN 433)-, antideslizante, antiestático y resistente al amarilleamiento. Se fija con cola sobre suelo liso. También se puede instalar sin necesidad de cola hasta 50 m². Dispone de la clasificación ante el fuego BFL-s1, que certifica que se trata de un producto retardante de llama que produce humos de baja opacidad. De fácil limpieza. Tiene un espesor de 2,8 mm. Cuenta con una garantía de 10 años. Medidas: 2 x 2 m (ancho x largo). Producto a medida.
Please visit my newer website: TheresaMartinPrintmaker Lots of things to think about! Multiple blocks is a lot to juggle–in the conceptualizing, and the realizing. But this seems to be the d…
Born in New York City in 1918, Irving Amen was drawing at the age of four. A scholarship to the Pratt Institute was awarded to him when he was fourteen years old. With Michelangelo as his idol, he spent seven years in life classes perfecting his drawing. From 1942 to 1945 he served with the Armed Forces. He headed a mural project and executed murals in the United States and Belgium. His first exhibition in woodcut was held at the New School for Social Research and his second at the Smithsonian Institute in 1949, and in 1949 he travelled to Paris to study for a year. On his return to the United States he had one man shows in New York and Washington DC. In 1953, Amen travelled throughout Italy. This resulted in a series of eleven woodcuts, eight etchings and a number of oil paintings. One of these woodcuts, Piazza San Marco #4 and its four woodblocks constitute a permanent exhibit of block printing in colour at the Smithsonian Institution. Travel in Israel, Greece and Turkey in 1960 led to a retrospective show at the Artist's House in Jerusalem. Piazza San Marco #4 40.6 x 61 cm Irving Amen has taught at Pratt Institute and at the University of Notre Dame. He had a show of woodcuts at the Artists Studio in NYC. Commissions include a Peace Medal in honour of the Vietnam War. He created designs for 12 stained glass windows 16 feet high depicting the Twelve Tribes of Israel, commissioned by Agudas Achim Synagogue in Columbus, Ohio. He is listed in Mantle Fielding's Dictionary of American Painters, Sculptors and Engravers and the Dictionary of Contemporary American Artists by Paul Cummings. He was elected member of Accademia Fiorentina Delle Arti Del Disegno, an organisation to which Michelangelo belonged. 1948 Promenade woodcut 1950 Times Square #4 woodcut 1954 Piazza San Marco woodcut 1954 Rialto and Bridge of Sighs woodcut 1954 Slaughtered Houses woodcut 1974 Flight woodcut Babylon woodcut Bird Watcher woodcut Florence, Italy woodcut 1975c Playmates woodcut 25.4 x 17.8 cm Girl with a Ball woodcut In My Father's House Are Many Mansions woodcut Italian Landscape woodcut 1970c Many Children Dwell in My Father's House woodcut 40.6 x 53.3 cm 1970c Many Children Dwell in My Father's House (variation) woodcut 40.6 x 53.3 cm Miner woodcut Palazzo Vecchio woodcut Pensive Girl #6 woodcut Piazza San Marco #1 woodcut 1955c Shelley woodcut 42.9 x 30.5 cm The Basket Offering woodcut 1965 Afternoon Sun woodcut 64.8 x 49.3 cm 1976 Musician woodcut 40.6 x 52.1 cm 1977 Chess Players woodcut 50.8 x 66 cm Don Quixote woodcut 53.3 x 34.3 1960 Student woodcut The Open Book woodcut Three Graces Chess Players woodcut Chess Players woodcut
Stevyn Llewellyn
About Charles Turzak, 'Dancers', 1939, wood engraving, edition 100. Signed, titled, and numbered 72/100 in pencil. A fine, richly-inked impression, on off-white Japan paper, with full margins (5/8 to 1 1/8 inch), in excellent condition. Image size 10 3/16 x 6 13/16 inches (259 x 173 mm); sheet size 12 x 8 3/4 inches (305 x 222 mm). Matted to museum standards, unframed.
Linocut Kaiju series by Brian Reedy (via Xombiedirge)
Hugh Jackman e seu "Wolverine Imortal" puxam o final de semana que tem ainda shows de blues, rock e muita música brasileira
