Encantadoras y confortantes pinturas de un artista norteamericano contemporáneo.
«Cabeza en un sofá verde» es el retrato de Lady Belinda Lambton, que ahora venden sus hijos tras una disputa por el patrimonio familiar
Mark Collard y la estudiante de doctorado Brea McCauley, del departamento de Arqueología de la Universidad Simon Fraser (SFU) en la Columbia Británica (Canadá,) acaban de publicar un interesante estudio en la revista Journal of Paleolithic Archaeology en el que plantean una sorprendente hipótesis: que la población prehistórica se cortaba los dedos en ciertos rituales religiosos.
This is part 2 of 7-part post on the works of Edgar Degas (1834-1917). For biographical notes -in english and italian- and other works by Degas see Edgar Degas | Realist/Impressionist painter and sculptor. Other from Edgar Degas: Edgar Degas | Horse racing /Corse di cavalli. Edgar Degas | Drawing. Edgar Degas al Metropolitan Museum. Edgar Degas | Sculpture. Edgar Degas and Mary Cassatt. Edgar Degas ~ The Bather series. Edgar Degas ~ The Impressionist Ballet dancers. Edgar Degas | Landscapes.
Inés Astorga, también conocida como Inés Jimm , es una joven ilustradora natal de Sevilla cuyo arte ha capturado la atención de miles en las redes sociales. Cuenta con una trayectoria experimentada que no solo incluye cuatro libros, también numerosas colaboraciones como artista con marcas como Douglas, Mini Electric, MAC o Nike. Desde temprana edad, Inés mostró una inclinación hacia el arte. De hecho, confiesa que el arte es el primer recuerdo que tiene del amor. Esta pasión la llevó a experimentar con diferentes medios, desde la pintura y el dibujo hasta la fotografía y el diseño gráfico, explorando diversas técnicas y estilos mientras desarrollaba su propio lenguaje visual. Sus composiciones están impregnadas de colores monocromáticos con un trazo dinámico. Su dominio de la técnica le permite dar vida a sus creaciones transmitiendo emociones y narrativas a través de sus imágenes. Mediante sus redes brinda a sus seguidores acceso a su mundo artístico, compartiendo bocetos y obras en progreso. Si quieres conocer más acerca de esta artista puedes visitar su perfil en Instagram.
La imagen nos muestra una pintura rupestre. El soporte es la propia roca de la cueva. Ni los materiales empleados por el artista, ni la técnica con la que trabajó se corresponden con ninguno de los pigmentos o procedimientos usuales en la historia de la pintura. Tampoco existe una forma de hacer única para toda la pintura rupestre, sino diversas formas de realización. En cuanto a los materiales son pigmentos de origen animal y vegetal y otros procedentes de compuestos minerales. El aglutinante empleado es resina o grasa. El resultado es una pintura más o menos pastosa vagamente similar al óleo. Si se ha preservado, es por una capa protectora exudada por la roca. Estos pigmentos se untaban directamente con los dedos, o bien se soplaban con una caña hueca o se empleaban ramas quemadas como si fueran lápices, pinceles rudimentarios realizados con cerdas de animal, etc. Como estas pinturas se encontraban en el interior de las cuevas hay que suponer que se realizaban a la luz de lámparas de tuétano o de grasa animal. Por la altura a la que algunas se sitúan debieron trabajar en una especie de andamios. También hay que suponer que el artista no trazaba bocetos: si acaso, realizaba un dibujo directamente sobre la pared de la cueva y después lo detallaba y policromaba. En cuanto a la representación, se observa que el bisonte aparece superpuesto a otras representaciones de animales, mostrando cada uno de ellos una orientación distinta. La pintura carece de toda sugerencia de fondo, espacio, perspectiva o profundidad. Tal vez el solapamiento de distinta figuras puede ser interpretado como un deseo de mostrar la distancia, pero esta tesis no puede asegurarse. En cuanto al dibujo y color señalar que el primero predomina sobre el segundo, advirtiéndose con claridad que la figura se encuentra bien perfilada con un trazo más o menos grueso. Con el mismo trazo se han representado alguna de las partes del bisonte como las crines o los cuernos. El color predominante es un rojo llamado bermellón. Se aplica con distinta intensidad en el cuerpo del animal, indicando así de forma sumaria el volumen. Las protuberancias de la pared ayudan a dar esa impresión de corporeidad. Pese a disponer de tan escasos recursos, el artista logra representar al animal con bastante naturalidad, con su musculatura ligeramente marcada y en una actitud completamente estática, como si el bisonte se encontrara totalmente quieto. Resulta muy aventurado señalar que efectos o sensaciones procuraba expresar el artista. El espectador actual encuentra en ella el misterio, la emoción por atisbar un pasado tan remoto y, a la vez, una curiosa impresión de modernidad. Por la cuidada representación del animal, por el uso de colores, por la ausencia de movimiento y por la presencia de un animal, el bisonte europeo, prácticamente extinto, esta pintura rupestre pertenece al estilo denominado franco-cantábrico. Se desarrolló a finales del Paleolítico Superior, en el período llamado magdaleniense, entre el 17.000 y el 8.000 a. C. coincidiendo con la última glaciación. La extensión de los hielos alteró notablemente los paisajes del área en la que se encuentran muestras de estas pinturas. Esta área abarca la cornisa cantábrica y el suroeste de Francia, con algunos enclaves aislados en Andalucía, Extremadura, las dos Castillas y la Comunidad Valenciana. De ahí que algunos autores reclamen la denominación «hispano-aquitano» para esto estilo. Este bisonte es un detalle de la llamada Gran Sala de Bisontes en la cueva de Altamira, en Santillana del Mar (Cantabria). En ese estilo prehistórico fue realizado por el homo sapiens, la única especie de homínido que, en ese período, había sobrevivido. Vivía de una economía depredadora sustentada en la caza, la pesca y la recolección. Se organizaba en tribus y carecía de toda diferenciación social. Indudablemente el artista no pasaba de ser un cazador más, especialmente dotado para la pintura, eso sí, o tal vez el arte entraba dentro de las atribuciones de chamán, el hechicero de la tribu. En cualquier caso estas muestras artísticas debieron ser muy importantes para estas sociedades, pues se realizaron en condiciones muy difíciles y empleando recursos de los que no se encontraban muy sobrados. Desde el descubrimiento de la pintura rupestre en el siglo XIX se han formulado varias tesis sobre el significado del arte parietal, a saber: -La del arte por el arte: Los hombres prehistóricos vivían en las cuevas y decidieron decorarlas. Lo cierto es que no residían en las cavernas y que, además, estas pinturas se sitúan en lugares recónditos y de difícil acceso. - La de magia simpática o propiciatoria: Según la creencia de algunos pueblos primitivos, la pintura era una operación mágica que influía en la fecundidad de los animales y que favorecía su caza. Pero esta tesis, carece de toda prueba que no sea remotos paralelismos etnográficos entre pueblos y culturas muy lejanos en el tiempo y en el espacio. - La de la dualidad de sexos que busca pautas en la disposición de los animales y que cree encontrar un simbolismo binario en el que los équidos y los bóvidos, conformarían, respectivamente, lo masculino y lo femenino. Pero estos esquemas no pueden aplicarse a todas las cavernas. Procedencia de la imagen: www.educima.com/foto-pintura-prehistorica-bisonte-i17054....
Herman Abrishami es un artista de Irán que pinta unas bellas escenas donde los seres humanos fluyen en un ambiente cariñoso, musical y lleno de colores vivos. El estilo de este pintor logra unas sensaciones muy dulces, con relaciones cromáticas que hacen que todos los personajes de la escena se unan, con difuminados y pinceladas […]
Encantadoras y confortantes pinturas de un artista norteamericano contemporáneo.
Abstract painting ideas will ensure you that the art is imperfectly perfect and it does not need to be perfect to be beautiful.
Frits Thaulow Frits Thaulow (20 de octubre de 1847 - 5 de noviembre de 190...
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Óleo sobre tabla de la Escuela de Pintura Flamenca del Siglo XVII. Pintor flamenco, cuyo hermano Frans Hals fue muy célebre en su época.
Ferdinand Hodler ( Gurzelen, cerca de Berna, 14 de marzo de 1853 –Ginebra, 19 de mayo de 1918 ) fue uno de los más destacados pintores suizos del siglo XIX. detalle del cuadro anterior detalle cuadro anterior Hodler nació en Berna pero se trasladó a Ginebra a los 18 años de edad para comenzar su carrera como pintor. Sus primeras obras fueron paisajes, composiciones figurativas y retratos, tratados con un vigoroso realismo. En la última década del siglo XIX su obra evolucionó para combinar influencias de diversos géneros, entre ellos el simbolismo y el art nouveau. Desarrolló un estilo que él llamaba «Paralelismo», caracterizado por agrupaciones de figuras simétricamente colocadas en poses que sugerían un ritual o una danza. La obra de Hodler en su fase final adoptó un aspecto expresionista con figuras fuertemente coloreadas y geométricas. Los paisajes quedaron reducidos a lo esencial, a veces consistiendo en una franja de tierra entre el cielo y el agua. No obstante, las pinturas más famosas de Hodler representan escenas en las que los caracteres están implicados en actividades cotidianas, como el famoso leñador (Der Holzfäller, Museo de Orsay,París ). Este cuadro acabó apareciendo en el dorso del billete de 50 francos suizos emitido por el Banco Nacional de Suiza. En 1889, Hodler se casó con Berthe Jacques. En 1914 condenó las atrocidades alemanas que usaron artillería en Reims. Como represalia, los museos de arte alemanes excluyeron la obra de Hodler. Su amante, Valentine Godé-Darel, fue diagnosticada de cáncer en 1914, y Hodler pasó muchas horas junto a ella, resultado de las cuales fueron una notable serie de pinturas que documentaban su desintegración. Ella murió en 1915, lo que afectó muchísimo a Hodler y murió el 19 de mayo de 1918 en Ginebra, dejando tras de sí una serie de obras inacabadas que retrataban la ciudad.
Inés Astorga, también conocida como Inés Jimm , es una joven ilustradora natal de Sevilla cuyo arte ha capturado la atención de miles en las redes sociales. Cuenta con una trayectoria experimentada que no solo incluye cuatro libros, también numerosas colaboraciones como artista con marcas como Douglas, Mini Electric, MAC o Nike. Desde temprana edad, Inés mostró una inclinación hacia el arte. De hecho, confiesa que el arte es el primer recuerdo que tiene del amor. Esta pasión la llevó a experimentar con diferentes medios, desde la pintura y el dibujo hasta la fotografía y el diseño gráfico, explorando diversas técnicas y estilos mientras desarrollaba su propio lenguaje visual. Sus composiciones están impregnadas de colores monocromáticos con un trazo dinámico. Su dominio de la técnica le permite dar vida a sus creaciones transmitiendo emociones y narrativas a través de sus imágenes. Mediante sus redes brinda a sus seguidores acceso a su mundo artístico, compartiendo bocetos y obras en progreso. Si quieres conocer más acerca de esta artista puedes visitar su perfil en Instagram.
La imagen nos muestra una pintura rupestre. El soporte es la propia roca de la cueva. Ni los materiales empleados por el artista, ni la técnica con la que trabajó se corresponden con ninguno de los pigmentos o procedimientos usuales en la historia de la pintura. Tampoco existe una forma de hacer única para toda la pintura rupestre, sino diversas formas de realización. En cuanto a los materiales son pigmentos de origen animal y vegetal y otros procedentes de compuestos minerales. El aglutinante empleado es resina o grasa. El resultado es una pintura más o menos pastosa vagamente similar al óleo. Si se ha preservado, es por una capa protectora exudada por la roca. Estos pigmentos se untaban directamente con los dedos, o bien se soplaban con una caña hueca o se empleaban ramas quemadas como si fueran lápices, pinceles rudimentarios realizados con cerdas de animal, etc. Como estas pinturas se encontraban en el interior de las cuevas hay que suponer que se realizaban a la luz de lámparas de tuétano o de grasa animal. Por la altura a la que algunas se sitúan debieron trabajar en una especie de andamios. También hay que suponer que el artista no trazaba bocetos: si acaso, realizaba un dibujo directamente sobre la pared de la cueva y después lo detallaba y policromaba. En cuanto a la representación, se observa que el bisonte aparece superpuesto a otras representaciones de animales, mostrando cada uno de ellos una orientación distinta. La pintura carece de toda sugerencia de fondo, espacio, perspectiva o profundidad. Tal vez el solapamiento de distinta figuras puede ser interpretado como un deseo de mostrar la distancia, pero esta tesis no puede asegurarse. En cuanto al dibujo y color señalar que el primero predomina sobre el segundo, advirtiéndose con claridad que la figura se encuentra bien perfilada con un trazo más o menos grueso. Con el mismo trazo se han representado alguna de las partes del bisonte como las crines o los cuernos. El color predominante es un rojo llamado bermellón. Se aplica con distinta intensidad en el cuerpo del animal, indicando así de forma sumaria el volumen. Las protuberancias de la pared ayudan a dar esa impresión de corporeidad. Pese a disponer de tan escasos recursos, el artista logra representar al animal con bastante naturalidad, con su musculatura ligeramente marcada y en una actitud completamente estática, como si el bisonte se encontrara totalmente quieto. Resulta muy aventurado señalar que efectos o sensaciones procuraba expresar el artista. El espectador actual encuentra en ella el misterio, la emoción por atisbar un pasado tan remoto y, a la vez, una curiosa impresión de modernidad. Por la cuidada representación del animal, por el uso de colores, por la ausencia de movimiento y por la presencia de un animal, el bisonte europeo, prácticamente extinto, esta pintura rupestre pertenece al estilo denominado franco-cantábrico. Se desarrolló a finales del Paleolítico Superior, en el período llamado magdaleniense, entre el 17.000 y el 8.000 a. C. coincidiendo con la última glaciación. La extensión de los hielos alteró notablemente los paisajes del área en la que se encuentran muestras de estas pinturas. Esta área abarca la cornisa cantábrica y el suroeste de Francia, con algunos enclaves aislados en Andalucía, Extremadura, las dos Castillas y la Comunidad Valenciana. De ahí que algunos autores reclamen la denominación «hispano-aquitano» para esto estilo. Este bisonte es un detalle de la llamada Gran Sala de Bisontes en la cueva de Altamira, en Santillana del Mar (Cantabria). En ese estilo prehistórico fue realizado por el homo sapiens, la única especie de homínido que, en ese período, había sobrevivido. Vivía de una economía depredadora sustentada en la caza, la pesca y la recolección. Se organizaba en tribus y carecía de toda diferenciación social. Indudablemente el artista no pasaba de ser un cazador más, especialmente dotado para la pintura, eso sí, o tal vez el arte entraba dentro de las atribuciones de chamán, el hechicero de la tribu. En cualquier caso estas muestras artísticas debieron ser muy importantes para estas sociedades, pues se realizaron en condiciones muy difíciles y empleando recursos de los que no se encontraban muy sobrados. Desde el descubrimiento de la pintura rupestre en el siglo XIX se han formulado varias tesis sobre el significado del arte parietal, a saber: -La del arte por el arte: Los hombres prehistóricos vivían en las cuevas y decidieron decorarlas. Lo cierto es que no residían en las cavernas y que, además, estas pinturas se sitúan en lugares recónditos y de difícil acceso. - La de magia simpática o propiciatoria: Según la creencia de algunos pueblos primitivos, la pintura era una operación mágica que influía en la fecundidad de los animales y que favorecía su caza. Pero esta tesis, carece de toda prueba que no sea remotos paralelismos etnográficos entre pueblos y culturas muy lejanos en el tiempo y en el espacio. - La de la dualidad de sexos que busca pautas en la disposición de los animales y que cree encontrar un simbolismo binario en el que los équidos y los bóvidos, conformarían, respectivamente, lo masculino y lo femenino. Pero estos esquemas no pueden aplicarse a todas las cavernas. Procedencia de la imagen: www.educima.com/foto-pintura-prehistorica-bisonte-i17054....
Herman Abrishami es un artista de Irán que pinta unas bellas escenas donde los seres humanos fluyen en un ambiente cariñoso, musical y lleno de colores vivos. El estilo de este pintor logra unas sensaciones muy dulces, con relaciones cromáticas que hacen que todos los personajes de la escena se unan, con difuminados y pinceladas […]
Encantadoras y confortantes pinturas de un artista norteamericano contemporáneo.
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Frits Thaulow Frits Thaulow (20 de octubre de 1847 - 5 de noviembre de 190...
