¡Pues ya estás tardando en sacar al artista que llevas dentro!

No es solo un taller de arte ni un estudio de arquitectura. Del Río Arte Arquitectónico es una oficina que combina lo mejor de estos dos oficios en un gran espacio en el centro de Lo Barnechea.

Espacio destinado a la difusión de pinturas y esculturas

Playing cards arrived in Europe from Asia sometime in the 14th century, and by 1367 they had their first citywide ban in Bern, Switzerland.

Como sabréis, llevamos tiempo queriendo organizar nuestro primer taller de Cianotipia como La Peliculera y para ello, ¡nos hemos puesto manos a la obra con el maravilloso equipo de Taller Silvestre! A continuación os explicamos en qué consistirá el taller […]

I. IDENTIFICACIÓN Y DESCRIPCIÓN. GUSTAVE COURBET EL TALLER DEL PINTOR Fecha: 1854-1855 Técnica: öleo sobre lienzo Dimensiones: 359 x 598 cm Localización actual : Museo d´Orsay. Paris. Este cuadro de gran formato fue realizado en solo seis semanas y lleva como subtítulo " alegoría real de siete años de vida artística" Courbet presentó varias obras a la Exposición Universal de Paris de 1855, muchas fueron aceptadas pero fueron rechazadas esta obra y el Entierro en Ornans. Ante tal circunstancia Courbet se negó a participar y montó una contraexposición que se llamó " Pabellón del Realismo". Se estaba produciendo un precedente de lo que ocurrirá poco más tarde con los impresionistas y el Pabellón de los Rechazados. Las críticas de la época lo calificaron de vulgar Hoy es considerado como su obra más importante , manifiesto del realismo y una alegoría de la realidad. , cada uno de los personajes es un símbolo de su mundo y bajo la influencia de su amigo el filósofo Proudhon ejerce el pintor de crítico de la sociedad a la que está juzgando, colocando a nuestra derecha el mundo con el que simpatiza y a la izquierda el mundo que rechaza: los que viven de la explotación y de la muerte. Iconografía. En este cuadro mezcla diferentes categorias o tipología de la pintura uniendo la pintura de género, el desnudo, el paisaje, el retrato, el bodegón... En la parte central se encuentran : - Courbet mostrando su mejor perfil , por tanto ejemplo de carácter altivo y orgulloso, que está pintando un paisaje ( el de su ciudad natal Ornans) que para los pintores y críticos académico no era tema digno de ser representado - La mujer semidesnuda símbolo de la verdad Su cabeza se inclina en dirección opuesta a la de Courbet - Un niño símbolo de la inocencia y a su lado un gato blanco. - Detrás un maniquí crucificado y cubierto de flechas representando a San Sebastián símbolo del academicismo . Se contrapone así la pintura académica con la libertad de la pintura del paisaje y del desnudo - En la pared un medallón de escayola ya que Courbet estaba experimentando con los bajorrelieves . En el lado izquierdo se representa la realidad vista por Courbet , la miseria y aquellos que según su propia expresión " viven de la muerte" - Por un lado están los explotados: un payaso chino, , una mendiga irlandesa dando el pecho a su hijo, un obrero con una gorra y a su lado una mujer que aparenta estar desnuda , es decir una prostituta, también en el fondo un campesino y a su lado con sombrero un terrateniente. - En el fondo un sacerdote representando al ultracatolicismo. - Un rabino judio y un judio comerciante que ofrece una estola a un burgués representado con chistera. Sobre quién pueda ser existen varias interpretaciones desde el abuelo del pintor hasta la más probable de un banquero que financió la subida al poder de Luis Napoleón - Un comerciante de trapos o telas. - Una calavera sobre unos periódicos que simbolizaría una referencia a los malos críticos. - En primer plano un cazador con su perro que se parece a Napoleón III : Napoleón era conocido como " el que caza en vedado" . Las ideas republicanas del pintor le hacían ser contrario al régimen autoritario del emperador.. - También en primer plano una guitarra, puñal y capa representando el fin del romanticismo. A la derecha el mundo con el que simpatiza: artistas, intelectuales y amigos. Entre estos Champfleury sentado sobre un taburete símbolo de la prosa, con gafas el filósofo socialista utópico Proudhon símbolo del mundo intelectual y del cambio social , el poeta Baudelaire a la derecha leyendo símbolo de la poesía, una dama y su acompañante símbolizando las personas de buen gusto y delante un niño dibujando lo que ve y que simbolizaría el realismo y en el fondo una pareja que se besa símbolo del amor. II. ANÁLISIS FORMAL La composición es simétrica , Courbet ocupa el centro, y cerrada ya que cierran la escena la espalda de Baudelaire a la derecha y la del rabino a la izquierda. Se observa el predominio de lineas o esquemas verticales en las figuras del cuadro que le dan un aire de estatismo Utiliza claramente el dibujo para dar el contorno a las figuras. Dominan los colores cálidos especialmente los ocres y pardos con una pincelada rápida y enérgica ( el cuadro lo realiza en pocos meses). La luz que entra por la ventana de la derecha incide fundamentalmente sobre la zona central sobre Courbet, el paisaje y la mujer semidesnuda y deja difusa y con coloración o atmósfera amarilla a los explotados y explotadores de la izquierda. Por tanto existe un efecto simbólico entre lo que simpatiza el pintor y lo que no . La perspectiva o profundidad es tradicional o clásica , se observa especialmente en el lado derecho como las paredes forman una diagonal hacia el fondo. El ritmo es estático III. CONTEXTO, AUTOR , SIGNIFICADOS Courbet vivió la revolución de 1848 , la instauración de la II República; la restauración de la monarquía con Napoleón III , la guerra francoprusiana que acaba con el Segundo Imperio y fue partidario de la comuna de Paris de 1871 hecho que le llevó al exilio. Los hechos revolucionarios del 48 y el nacimiento de la nueva clase social del proletariado, la ideología del socialismo influyeron en su vida y en su obra. Significados: Como se ha expuesto el cuadro lleno de símbolos se puede interpretar como un juicio moral de la realidad de su época por una parte está Napoleón y sus aliados y apoyos: el catolicismo, el mundo del comercio , de la banca y las victimas de este cazador: obreros, mendigos, campesinos. A la derecha los críticos , los intelectuales y el mundo de la esperanza. Por otra parte la presencia en el centro del pintor es una forma de reivindicar el papel del artista como observador y también como un novelista o intelectual ,testigo del contexto histórico que le toca vivir. El encuentro 1854 o Buenos dias señor Courbet.

In the umpteenth hour of researching images for a feature on artist studios, I stumbled upon floral artist Claire Basler and the 13th century French castle where she resides and works. Honestly, my initial reaction was: this can’t be…

“Retrato de Hombre” (1440, Courtauld Institute Galleries, Londres). Para muchos se trata de Gillaume Fillastre, pero tanto la autoría como el retratado están en disputa. La originalidad reside en que el reverso de este pequeño retrato tiene también pintura, lo que indica que no fue pensado para colgar de una pared a pesar de que tiene una anilla que indica que su propietario así lo hizo. Estos retratos estaban pensados para colgar por la parte superior en un soporte exento que permitiera ver las dos caras. Una rama de acebo en la parte posterior lleva el lema de la persona retratada en francés: "Je he ce que mord" que puede traducirse como “odio lo que muerde” o bien “odio lo que muerdo” “Díptico” (1440, Kunsthistorisches Museum, Viena). Se trata de dos pequeñas tablas que representan a la Virgen el de la izquierda y a Santa Catalina de Alejandría el de la derecha. La tabla de la Virgen lleva una representación de Dios Padre en el ápice que está directamente inspirado en uno de los bustos de los profetas del reverso del Altar de Gante de Jan Van Eyck. Con la misma inspiración realiza las representaciones de Adán y Eva. La tabla derecha es de trazo mucho más débil, por lo que se considera que no es obra de Van der Weyden. Muestra a Santa Catalina, hija de reyes, con la corona en el suelo como símbolo de humildad ante la Virgen. Tiene los símbolos del martirio: la rueda con la que intentaron desmembrarla y la espada con la que finalmente cortaron su cabeza. “Tríptico de la Anunciación” (1440, Musée du Louvre, París (tabla central), Galleria Sabauda, Turín (tablas laterales)). Aparece desmembrado y con las tablas repartidas en dos museos. La tabla central muestra la Anunciación que es la única que parece enteramente de van der Weyden. El donante de la hoja izquierda fue totalmente repintado y no se corresponde a la mano del artista. La hoja derecha muestra la escena de la Visitación que tampoco parece ser obra de Van der Weyden. La tabla central muestra la escena de la Anunciación en un ambiente lujoso y con buen estudio de la perspectiva. Los lirios blancos y la jarra de cristal simbolizan la pureza de María. La influencia de Van Eyck y su “Matrimonio Arnolfini” es patente, y aleja al artista de su primer estilo desarrollado en el Descendimiento, se va haciendo más flamenco. Esta influencia aparece en las cortinas y cubrimiento de la cama rojos, así como en las lámparas de cobre tallado. En lugar del espejo, coloca un medallón de cobre. Otros detalles nos reflejan la influencia del Maestro de Flémalle, como el aguamanil y el purificador de agua que simbolizan también la pureza de María. El ángel aparece vestido con un alba inmaculada, una estola de brocado rojo y con una capa de brocado dorado, como si fuera un sacerdote dispuesto a celebrar. El cierre de la capa lleva una imagen de Dios Padre en un marco arquitectónico lo que simula el crucero de una basílica. Dos pequeñas figuras a cada lado adoran a la figura del Padre. El jarrón de cristal atravesado por un rayo de luz que simbolizan la concepción milagrosa, una manzana china que nos recuerda la necesidad de redención, las velas apagadas que esperan la llegada de la Luz, es decir, de Cristo salvador del mundo. Los detalles espirituales son importantes y muestran la piedad y devoción del artista, que sin duda diseñó esta obra para culto privado. “Crucifixión” (1440, Staatliche Museen, Berlín). Como en la Crucifixión de Viena, la Virgen aparece abrazando la cruz de forma dramática. Originalmente el fondo era de pan de oro y fue repintado con un paisaje tardíamente, y alrededor de Cristo se abría una aureola de múltiples colores que se reflejaba en los ángeles. El estilo de Cristo sigue la moda antigua, alargando mucho la figura como también veremos en el caso de la Crucifixión del Retablo de Miraflores. Sin duda fue realizada principalmente por los colaboradores del taller de Van der Weyden. “Retablo de Miraflores” (1440, Staatliche Museen, Berlín). Se trata de un encargo del rey Juan II de Castilla para el recién fundado Monasterio Cartujo de Miraflores, cerca de Burgos. Los documentos del monasterio hablan de este encargo a “el maestro Rogier, el gran y famoso flamenco”. Sin embargo el retablo original no se encuentra en el Monasterio, sino en Berlín. Se compone de tres tablas de igual tamaño, rígidas, que no se cierran unas sobre otras. El marco no es el original, pero debe ser similar a él, en forma de arcos de medio punto que se continúan en la arquitectura que ambienta la pintura. Este sistema es tomado de Van Eyck. Las tres tablas con sus marcos nos refieren a los pórticos de las iglesias góticas. Las pinturas narran escenas que relacionan a Cristo y María. Las arquivoltas llevan esculturas que completan las narraciones principales, su lectura es desde el ápice hacia abajo en sentido contrario a las agujas del reloj. Las figuras son más delicadas y tienen menos fuerza que las del Descendimiento, así vemos la evolución de Van der Weyden hacia un estilo mucho más flamenco. Muchos expertos opinaban que pudo ser una obra temprana del artista, pero el encargo del rey Juan no pudo ser anterior al año 40. En la tabla izquierda aparece la Virgen con el Niño en su regazo y san José, la Virgen viste de blanco, símbolo de la pureza, y sobre ella un ángel porta la corona de la virtud. Van der Weyden, siguiendo la tradición de los apócrifos, muestra un san José anciano. La Tabla central muestra la Piedad, en la que María toma sobre sus rodillas el cuerpo yaciente de su hijo, viste de rojo, color de la pasión, y sobre ella un ángel porta la corona del sacrificio. La tabla derecha muestra a Cristo resucitado presentándose ante su Madre para poner fin a su dolor, María viste de azul color de fe y gloria y sobre ella el ángel que porta la corona de la Victoria. Es el único que superpone dos escenas, ya que en el fondo podemos ver la representación de la Resurrección del Señor. La cercanía entre la tumba y la casa de María indican que el autor quiso representar que Cristo se apareció a su Madre casi simultáneamente a su resurrección, como regalo por su fidelidad y amor. “Piedad” (1441, Musées Royaux des Beaux-Arts, Bruselas). Las últimas investigaciones relacionan esta tabla directamente con la mano del maestro. Hay autores que afirman que se trata de una obra realizada por su taller, siguiendo el estilo del maestro ya que este tenía demasiado trabajo. Pero se trata de una obra primitiva, lo que refuerza el hecho de que fuera pintada directamente por Van der Weyden. Representa la lamentación por Cristo muerto a los pies de la Cruz, tema que no aparece reflejado en los Evangelios pero que es de amplia aceptación en esta época. A la izquierda esta San Juan Evangelista envuelto en un manto rojo que sostiene a Cristo con una mano y con la otra acaricia la cabeza de María. La Virgen sostiene a su Hijo sobre sus rodillas y apoya su cabeza en sus mejillas. A los pies del Señor aparece la Magdalena con el tarro de ungüento, en una postura recogida y silenciosa. Tras ellos los pies de la Cruz y la calavera que hace referencia al Gólgota (lugar de la calavera). Algunos textos apócrifos hacen referencia a Adán en la imagen de esta calavera, que con su pecado trajo la muerte a la humanidad y Cristo murió por expiar su falta. El conjunto está rodeado de árboles marchitos que hacen referencia a las narraciones que cuentan que los árboles se marchitaron cuando Cristo expiró. “La Visitación” (1445, Museum der Bildenden Künste, Leipzig). El pequeño retablo de la Visitación tiene mucho en común con el “Retablo de Miraflores”, no por el tema, sino por el estilo. Se trata de un cuadro narrativo que muestra los acontecimientos en su entorno adecuado. Representa a María que tras la Anunciación va a visitar a su prima Isabel, embarazada de seis meses de Juan Bautista. La escena es relatada en el Evangelio de San Lucas. La ambientación nos muestra la casa de Isabel en una colina, su esposo Zacarías se encuentra en la puerta de la casa que más bien parece un palacio junto con un perro. La escena da a entender que Isabel salió al encuentro de su prima, ambas saben que la otra está embarazada y tocan sus vientres. La expresividad del conjunto nos da a entender cual de los dos niños es el importante. Esta pequeña tabla está muy relacionada con la misma escena que aparece en el “Tríptico de la Anunciación” de Turín, aunque esta es menos dramática. También se relaciona en el tiempo esta pintura con el “Tríptico Abbeg”, ya que utilizan los mismos tipos de tabla en los dos casos. “Retrato de Dama” o “Mujer con tocado de gasa” (1445, Staatliche Museen, Berlín). Es la única tabla original de retrato realizado por Van der Weyden anterior a 1450 que nos ha llegado, ya que los de los Duques de Borgoña son copias del original. La joven lleva el típico tocado flamenco con alas laterales o cuernos realizado en lino que resaltan sus facciones haciendo que la cara llene prácticamente toda la tabla. Las manos entrelazadas como apoyadas sobre el marco son típicas del pintor, que además gusta de su estudio. El gesto cercano de la mujer hace que muchos piensen que se trata de Elisabeth Goffaerts, esposa del artista, con la que se casó con a penas veinte años, aunque no hay fundamentos serios para asegurarlo. Lo cierto es que la mirada directa de la mujer hacia el espectador y su gesto cercano no son propios de la manera en que el autor realiza los retratos oficiales. Esta obra tiene mucho en común con el “Retrato de una Mujer” del Maestro de Flémalle que se encuentra en la National Gallery de Londres. “Tríptico Abbeg” (1445, Abegg-Stiftung, Riggisberg cerca de Berna, Suiza). Fue realizado por encargo de un caballero italiano no identificado que procedía de la Villa Chieri en el Piamonte y que trabajaba como banquero en Flandes. Su escudo de armas aparece en el ventanal de vidrieras de la hoja izquierda. Antiguamente se consideró una obra tardía realizada por alguno de sus seguidores, pero ya fue copiada por Hans Bornemann en 1447, pintor de Hamburgo fallecido en 1475. Los vestidos del donante y otras investigaciones han situado la obra a mediados de la década de 1440. Lo cierto es que se diferencian del resto de obras de Van der Weyden en el excesivo dramatismo de las figuras. Todo ello nos lleva a pensar que fue realizado en el taller del artista por alguno de sus colaboradores que trata de copiar algunas ideas del “Descendimiento” pero sin llegar a su maestría. El panel izquierdo muestra al donante bajo un arco apuntado en el que aparecen los relieves de la Anunciación. En el Panel derecho Nicodemo y José de Arimatea se acercan a la cruz con un sirviente que lleva una escalera dispuestos a bajar al Señor. El fondo paisajístico parece tener continuidad en las tres hojas, algo típico del estilo de Van der Weyden. “Retablo de la Crucifixión” (1445, Kunsthistorisches Museum, Viena). Es una de las obras más impresionantes de Van der Weyden por su composición, comparable al “Retablo de los Siete Sacramentos”. El original marco dorado acentúa la grandiosidad al igual que en el caso del retablo de los Sacramentos que debió ser realizado en fechas cercanas. La composición es rectangular, y las tres tablas aparecen relacionadas por el paisaje de fondo que tiene continuidad, lo que refuerza la teoría de que se trataba de una sola tabla que fue cortada para hacer un Tríptico. El autor juega con el movimiento en el manto de San Juan y el paño de pureza de Cristo, aunque el conjunto no es tan emotivo como el “Tríptico Abegg”. Las figuras no tienen la tridimensionalidad que tienen las del “Descendimiento” de El Prado, “La Madonna en Rojo” del Prado o “El retablo de Miraflores” de Berlín. No se juega tanto con el claro-oscuro y los fondos de paisaje no son tan variados y luminosos como los de otras obras del artista. La hoja izquierda muestra a María Magdalena, representada de forma poco usual como una mujer de edad, ensimismada y en profunda oración, portando el tarro de perfume. La tabla central muestra la Crucifixión, a cuya izquierda se colocan San Juan y María, a la derecha el matrimonio de donantes que tienen el mismo tamaño que las demás figuras, pero mantienen una postura de adoración reverente que les aísla de la escena llevándolos a otro plano. La Virgen abraza la cruz de forma emotiva, con un dramatismo que normalmente se reserva para la figura de la Magdalena. La hoja derecha muestra a la Verónica llevando el lienzo con el rostro de Cristo, representada como una mujer joven, su rostro es semejante al de la Magdalena de Londres. “Santa Margarita y Santa Apolonia” (1445-1450, Staatliche Museen, Berlín). Originalmente debió formar parte de un tríptico, siendo el ala derecha. Santa Margarita aparece sobre los restos del dragón que la había devorado. El extremo de su manto permanece aún en la boca del dragón al que la santa venció con el poder de la Cruz que lleva en sus manos. Los atributos de santa Apolonia hacen relación a su martirio en el que sacaron toda su dentadura con unas pinzas. Ambas llevan trajes rojos, símbolo del martirio. “Tríptico Bladelin” o “Retablo de Middelburg” (1445-1450, Staatliche Museen, Berlín). Pieter Bladelin era un rico burgués originario de Brujas que fundó la ciudad de Middelburg, cerca de Brujas, en 1444. Fue tesorero del Duque de Borgoña. No se sabe si este retablo llegó aquí tras su muerte o fue encargado por él a Van der Weyden, en todo caso la no aparición de su esposa, cofundadora de la ciudad con él, abre el debate. El donante aparece con los mismos trajes que el Duque de Borgoña y por lo tanto se trata de un personaje de importancia, por ello debemos considerarlo no identificado. Las hojas laterales forman un conjunto con el panel central que subraya el poder absoluto de Cristo, no solo sobre los dirigentes de Middelburg, sino también sobre los reyes de Oriente y Occidente. De esta manera Van der Weyden se muestra innovador, ya que no separa radicalmente las temáticas de las diferentes hojas de los retablos, sino que les da un eje común que las relaciona con la escena central al tiempo que realiza todas las figuras en la misma escala y las distribuye entre las tres hojas formando una línea ondulada; también los colores juegan papel importante. La tabla fue realizada tras el viaje de Van der Weyden a Italia, donde visitó Roma, Florencia y Ferrara; pero no se aprecia influencia clara del arte italiano, que si se verá en obras posteriores. Originalmente la obra mostraba inscripciones que relataban el significado de cada escena, pero se eliminaron para bien del conjunto. La hoja izquierda muestra una representación de la leyenda según la cual la sibila de Tibur mostró al emperador Augusto la visión de María y el Niño sobre un altar en las nubes. En lugar de Augusto aparece el Duque de Borgoña que cae de rodillas y retira su corona ante la visión de Cristo Niño, al tiempo que balancea un incensario en señal de sacrificio. Originalmente aparecía en esta tabla la leyenda que escuchó Octavio Augusto: “Este es el Altar del Cielo”. La tabla central muestra a María en el centro y a José a la izquierda adorando al Niño que está desnudo en el suelo, a su derecha el donante de rodillas adorando también, es una de las obras en las que el donante aparece mejor incorporado al conjunto ya que no parece estar fuera de contexto y su tamaño es el adecuado al conjunto. La ciudad del fondo puede ser Middelburg. El establo asemeja una iglesia románica en ruinas, pero el autor pudo tener en mente los restos del palacio del Rey David, antepasado de Cristo. La columna junto al Niño vaticina la flagelación al tiempo que representa el poder supremo. Tras el Niño tres pequeños ángeles en adoración. La distribución espacial sigue una geometría romboidal en horizontal, cuyos ejes son la esquina del establo y el conjunto de agujeros abiertos en el suelo en primer plano, de esa manera estudia el espacio, pero principalmente le sirve para centrar la importancia en la imagen de María, lo cual no es común en la pintura Flamenca que coloca a la Virgen en un lado cerca del Niño, esta idea la repetirá en otras obras y será copiada por otros artistas. Como casi siempre coloca una barrera que le impide estudiar la profundidad, en este caso el muro del propio establo, pero en las hojas laterales hace lo mismo ya sea con muros o mediante una colina. La hoja derecha muestra a los Magos de Oriente que caen de rodillas ante la contemplación de la Estrella en la que aparece reflejado en Niño Jesús, guía de su viaje. El reverso de las hojas muestra una anunciación pintada tardíamente, es probable que originalmente no estuviera pintado y un autor desconocido muy influenciado por Van der Weyden lo pintó firmando como el Maestro FVB. “La Magdalena leyendo” (1445, National Gallery, London). Esta pintura guarda paralelismo con las pinturas de Campins en las que se reflejan escenas sacras de interior como ésta. La imagen de la Magdalena aparece sentada leyendo un libro devocional y junto a ella tiene el frasco de perfume con el que ungió los pies del Señor (Lc 7, 37-38). Cuando se limpió la pintura en 1956, bajo una capa uniforme de pintura aplicada en el siglo XIX se descubrió la imagen del cuerpo de San José rezando el rosario, cuya tabla está en Lisboa, así como parte de una ventana y los pies de una figura que puede ser la de San Juan Evangelista según aparece en un dibujo de finales del siglo XVI con la misma composición. Las figuras, en este dibujo aparecen adorando a Jesús Niño que está en el regazo de su madre entronizada y rodeada de ángeles. El artista se muestra aquí como maestro del detalle en las cuentas del rosario, los clavos de las tablas del suelo, las enaguas de Magdalena,... Originalmente la tabla debió medir un metro de alto por metro y medio de ancho. La imagen de la Magdalena parece inspirada en la Santa Bárbara del Retablo Werl del Prado (Madrid) y probablemente se inspirara en la misma modelo. Su expresión y su delicado rostro se relacionan también con la Santa Verónica del Tríptico de la Crucifixión de Viena. No muestra la misma maestría al realizar el suelo y el tarro de perfumes, mucho mejor resueltos en otras obras de Van der Weyden; lo que hace pensar que encargaba estos pequeños detalles a sus colaboradores, ya que de haberlos hecho él pondría mucho más interés en perfeccionarlos. “San José” y “Santa Catalina” (1445, Museu Calouste Gulbenkian, Lisbon). Estos fragmentos formaban parte de una tabla mayor junto con la figura de María Magdalena que se encuentra en la National Gallery de Londres. El anciano San José aparecía detrás de la imagen de la magdalena, y la parte baja de su cuerpo puede verse en la tabla de Londres, tras él se abre un ventanal gótico realizado con maestría y detallismo asemejando una Iglesia. Probablemente la imagen de santa Catalina fue realizada por un asistente dada la baja calidad del dibujo. Parece que otras figuras seccionadas de la tabla se han perdido. Continúa en: Roger Van der Weyden III (presiona el nombre)

Hace unos siglos, el término "tinta natural" no existía, ya que toda la tinta provenía de la manipulación de elementos naturales y eso era simplemente

Existen sitios mágicos que te enamoran e inspiran hasta conseguir emocionarte. Esto fue lo que me pasó cuando recientemente tuve el privilegio de visitar la casa museo del gran pintor valenciano Joaquín Sorolla en Madrid. Sus cuadros son una verdadera delicia para la vista pero el hechizo comienza desde el mismo momento en que accedes …

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Fokkema & Partners Architecten was commissioned by Ampelmann, a start-up company based in Delft, the Netherland, to design their new office. The company

BLOG sobre decoración,diseño,arte,moda...con toques de música y un montón de cosas que me gustan

Inspiration for David's Photography

This is the beautifully bohemian (and slightly mad) small world of French artist Ronan-Jim Sevellec. At 80 years of age, his most recent exposition was in 2012 and saw his boxes of tiny artist's workshops and old antique rooms displayed in various eccentric and romantic locations around Paris. Ro

I decided to reward myself attending a demonstration by artist Quang Ho. I really didn't know much about him but I had a bit of a desire to get inspired. So I browsed some of his paintings online. Definitely a Richard Schmid pupil, I thought. Why not. I've never been disappointed attending a demo no matter what actually happens in one. And this one was special in a different way as well. Quang Ho demonstrated his painting at the very end for about 45 minutes. But the first two hours were devoted to a very inspired philosophical lecture on art. Now, normally, had I been warned, I would have run away but seeing how I didn't know what was coming I was sitting in my chair at the Romanesque Room in Castle Green (Pasadena) when me and about a hundred other lucky people got to listen to one of the best and most profound speeches on art making I've ever heard. Since I want to keep a record of it for myself and also share a bit of it, i am going to try and synthesize my hasty notes in here. Keep in mind, it's my version of what I heard. Quang Ho was born in Vietnam, his father was taken from the family at an early age and he, eight siblings and his mother emigrated to the US, Denver area, sponsored by a church. His mother was a single mom. His mom died. His father turned out to be alive decades later. Quang Ho recently visited him in Vietnam and did a series of beautiful paintings in that country. No portraits of the father. His superstitious wife says that if he paints him, he'll die soon. In his lecture, Quang Ho started by displaying some slides of galaxies and microscopic pictures of sand. He wanted to point out that in nature, there is no repetition and yet, everything forms part of a whole. He thinks art is similar in the sense that it must be a whole and yet non repetitive. He calls this characteristic of nature "the divine specific". I love that. In nature, everything is a part of something else but is in itself complete. Later on the lecture, he would display a lot of cropped details of his paintings to demonstrate how any segment could have worked as an individual abstract piece regardless of the position of the segment on the painting. At Quang Ho's demo Then he told us about his definition of art: "The byproduct of our search for what is true". Wow. Hold your horses. But if you think about it, it is pretty dead on. Then he added he also loved Joseph Campbell's definition: "A real artist is the one who has learned to recognize and to render... the 'radiance' of all things as an epiphany or showing forth of the truth." In other words, art is the ability to perform (technique) combined with inspiration(intention). So the "rendering" and "performing" mean you need to know your brushes, you need to know how to draw and draw a lot, you need technical ability. The "inspiration" and "recognition" come from the intention of the artist, the exploring of the visual truth in its shapes. OK, so far, pretty heady stuff. But he soon got to specifics. You've heard it before, it's line, color, value, edges ,textures.... Not so fast. Those are the ingredients and they need to be combined so as to enhance each other, yes. But the combination of those elements need the artist's decision making process, the intention, so as to achieve a maximum randomness, an avoidance of repetition. All the edges can't be just sharp or soft, degrees abound, "If you pick the painting from one corner, you shouldn't be able to just lift a piece, everything must come up with it, everything will be connected". Rules conflict with our search for the truth. Rules are helpful if they help us think but then you still need to squint and seek the visuall truth. What kills a painting is a lack of decision. Have you ever noticed that the more you look at an area of color, the more this area becomes larger and larger and with more color and more nuance that you can possibly paint? Why do we struggle trying to capture all the tones and gradations on the sky? All we need is a "gentle awareness", not being bogged down by rules like "The back will always be cooler" or ""warm colors come to the front" .... PICK a color already . The color you see. Stick with it or change it but do not fumble. If nothing else, this piece of advice should be engraved on my easel. What we are talking about here is learning how to see an apple as if we had never seen an apple before. I think abandoning preconceived notions is partially what this search for the truth implies. No labels or concepts. Just a "gentle awareness" of what's in light, what's in shadow, what is the source of a reflected light or a cast shadow, where are the gradations of tone...What other purpose does squinting have but to remove the noise of "things" just so that we can see the whole. A painter makes decisions. He told us there are really about eight different approaches or intentions. The first four have to do with the natural world. Think of "approach" as what the painting explores. There is the "light and shadow" approach. Things as revealed and affected by oblique light and shadow. Pansies There is the local tone approach. These are paintings that actually play with a few notes of local color, no light and shadow or very little. Like during an overcast day. (Fechin, Van Gogh, Degas, Diebenkorn). When we talk about "high key", "low key" paintings, they usually fall in this category. Van Gogh was a mediocre "light and shadow" painter till he discovered his local color approach. Frost Hill. Also, the silhouette approach. Backlit scenes. Dan McCaw comes to mind. Yellow Dancer 20x20 And the form or frontal light approach. Think Georgia O'Keeffe. Little modeling. Shape predominance. Four other visual approaches are as follows: Lines. Lines have a tremendous expressive potential. Think Toulouse Lautrec. Some people refuse to believe in lines as an expressive medium (David Leffel, for example). To each it's own. Pattern. Specially a dark/light pattern. This is at the heart of many paintings as what we would call a grayscale approach. A painting that is just done in black and white r brown and white or any other two tone combination. Color. Some paintings are driven by an exploration of a pleasing color combination or harmony. The dahlias below are just a study in white and green plus an oblique light. The lady in red is clearly a masterpiece driven by the seduction of the red fabric. One final approach Quang Ho has explored a lot is the "equalization" in which the whole painting seems to achieve a maximum randomness pattern , almost an abstraction, a total interconnectedness of the pieces. Even inside the painting SHAPES are the gel that combines this controlled randomness into a coherent total. Painting is about paint. It is the paint itself that creates it's own ecosystem. Nothing else. There are atmospheric painters like Quang Ho and more graphic painters like , say, Maynard Dixon. An atmospheric painter seeks to provide motion, interlacing of all the notes at his disposition, gradations of color and values, texture and flow. In my next installment of Quang Ho's demo, I'll get more into his actual painting technique.

So let’s start off with the importance of weaving and why we need to teach it to our children. First, it’s constructive, as in you can literally build things with it. Weave a roof on yo…

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“Sentada un día en mi cuarto de estudio, rodeada toda mi persona de los libros más dispares, según tengo costumbre, ya que el estudio de las artes liberales es un hábito que rige mi vida, me encont…

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¡Muy buenos días para nuestros chicos y chicas de tercero! Hoy os queremos presentar a una persona súper creativa y especial 😊...

Adélaïde Labille-Guiard was a female French painter of miniatures and portraits. She started to paint when she was 20 years old and later became a notable

Contemporary art workshop

Autor: Magdalena Acuña de Armano Escuela Taller El Mandylion. Fundación La Santa Faz. santafaz.org.ar

En este libro, su autora Josenia Hervás, hace explicito el tesón de aquella mujeres, que unido al adiestramiento que practicaron en las escuelas en las que entraron para formarse, demostraron que ellas tenían capacidad suficiente para desarrollar cualquier actividad intelectual por compleja que esta fuera. Estas mujeres luchadoras, como las llamaría Ida A.R.Wylie, nunca unas "mujercitas corrientes", lograron culminar en la Bauhaus unos estudios altamente cualificados. Se convirtieron en ingenieras industriales y arquitectas.

Learn how Andrea Kowch and her acrylic paintings transport viewers into eerie landscapes laden with stories dense with magic.

Name: Oliver and Molly Hatch and daughter Camilla Location: Florence, MA Size: 750 square feet Years lived in: 3 years; Owned I first came across Molly Hatch when I worked for Anthropologie. Known for her cheeky sense of humor that cleverly combines contemporary concepts with classic designs, Molly created ceramics for the retail chain that were distinctively whimsical.

French Artist Fanny Nushka Moreaux was born in Lille, France. She lives and paint in Paris and Southern France. She studied political science in Science Po and management in HEC Paris. She considers knowledge as a whole and beauty being part of it. Representation of the body is recurrent in the work of Nushka.

Artist’s models, neighbours, lovers and misteresses, from Manet to Schiele.

austrian artist mario dilitz is the creator of a series of highly detailed wooden sculptures whose lifelike facial expressions expose the human condition.

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"Gilbert Garcin pasó la mayor parte de su vida fabricando lámparas en Francia.

El pintor Saturnino Herrán recibirá un homenaje nacional que incluye una exposición en su natal Aguascalientes y en Ciudad de México, conferencias, talleres, cursos, ciclos de cine y conciertos, al conmemorarse el próximo 8 de octubre su centenario luctuoso del artista.

I’m in the market for a another work space. Our makeshift dinning room office is not only driving Abe crazy, it just isn’t sustainable anymore. And now that Coco is just half a year away…

Los espacios de trabajo más bonitos. Una inspiradora guía de ideas para que logres una zona para trabajar a tu gusto, en casa o fuera de ella.